boulevard.246

Daqui a 2 dias! 2 dias em Barcelona!

2009-05-11T19:30:00.005+01:00

Cannes 2009 (3)

2009-05-07T20:46:00.003+01:00

"Pedro Costa, João Pedro Rodrigues, João Salaviza, João Nicolau, Mónica Baptista estão de partida para o Festival de Cannes. Levam na bagagem uma actriz/cantora francesa, um travesti, uma chave mágica, um detido em prisão domiciliária e o Expresso do Oriente."

in Público

Barcelona 09/10

2009-05-07T02:38:00.006+01:00

Depois de ter concorrido, ter sido seleccionado, me ter convencido que iria viver seis meses em Paris, as equivalências de cadeiras impediram-me de tal. Pois bem, depois do longo e intenso dilema "e agora?! Para onde vou?!", São Paulo e Barcelona foram as finalistas. E, depois dos prós, dos contras, das opiniões e das contra-opiniões, dos conselhos e vontades, Barcelona e a Universitat Autònoma de Barcelona foram as eleitas. Seis meses na cidade Erasmus!

Agora coloca-se o segundo grande dilema: "onde vou ficar a morar tanto tempo?!". Residência de Erasmus em Barcelona procura-se! Tempo: de Setembro de 2009 e Fevereiro de 2010!

University of California Berkeley

2009-05-07T02:29:00.004+01:00

Depois de longas e penosas semanas à espera da confirmação, chegou hoje: faltam 18 dias para ir para a University of California, Berkeley. 6 semanas! (Esperemos que venha de lá um verdadeiro poliglota!).

This is England

2009-05-07T00:36:00.003+01:00

Nada melhor que uma ida ao cinema a meio da semana da Queima das Fitas. Ressaca-se, destila-se o álcool, pensa-se (pelo menos uma vez por semana), enfim, dá-se folga ao fígado.

Depois de algumas reticências de parte alheia/de terceiros quanto à escolha do filme, contemplou-se This is England - Isto é Inglaterra de Shane Meadows.

O filme é muitíssimo bom.

Se por um lado Meadows filma o retrato de um país, (a Inglaterra), de um tempo e de uma época bem definidos, de uma sociedade e de uma geração muito próprias e distintas das restantes; por outro lado não se distancia do particular, analisando a vida de uma tribo urbana muito díspar e característica entre si, mas com factos similares marcantes: uma crise de identidade, uma ausência de referências, uma crise de valores (tão presente nos nossos dias) mais, como afirmou Jorge Mourinha "filhos sem pai".

O tempo é o Verão de 1983. O espaço é a Inglaterra de Margaret Thatcher. Posto isto, sem dúvida alguma diríamos que se tratava de um filme histórico e de certo modo, ultrapassado. Embora se trate sim de um drama realista histórico, os problemas e as temáticas que aborda são deveras contemporâneas: o racismo, a guerra, os nacionalismos violentos, os movimentos neo-nazis, os skinhead, a imigração, a tolerância e a falta dela, o desemprego, a exclusão social, a educação, enfim, enfim. A actualidade da película é inquestionável e, isso torna-a uma pérola.

This is England relata-nos de uma forma crítica e de uma forma própria de olhar a sociedade e o outro, a história de Shaun, um rapaz de doze anos, órfão de pai, com o pai morto na Guerra das Malvinas, em crise de identidade, num vazio de valores, Shaun é o bobo da corte da escola que frequenta. E, no meio de tudo isto, os únicos que lhe dão a atenção de que precisa são um grupo de skinhead (pacíficos, ainda assim). A situação destabiliza-se aquando da libertação de Combo, um mix de líder violento e um convicto apoiante das SS de Hitler que chora, quase numa assunção de qual donzela arrependida. O momento em que Combo agride Milk (o negro do grupo), caluniando-o, ofendendo-o pela sua raça e cor de pele, não estamos perante uma agressão de teor racista mas sim pela fraqueza e fragilidade familiar de Combo. Também ele não tem pai, também ele não tem referências adultas.

This is England, tem tudo, um argumento sublime, excelentes interpretações e uma realização fora de série: num tempo em que a comunicação (pelo menos no mundo para cá da "cortina de ferro") já era democratizada e conhecida de e por todos, o realizador através de um óptimo trabalho de montagem, combina a narrativa com sons de época vindos das TV e das rádios. Mais, a própria imagem do tempo da acção mostra-se gasta e bastante antiga, parecendo-nos um filme realizado em 1983 (o tempo da narrativa). Tal facto sublinha, recorrendo a aspectos de natureza técnica, mais uma vez a contemporaneidade da longa-metragem.

Nada falha, tudo é 80s, e Shane Meadows hiperboliza tudo o que é 80s: desde os carros, os cubos mágicos, as cozinhas, a moda, a música (tem uma óptima selecção musical e uma banda sonora única), os hábitos, tudo. O pormenor dos aspectos ditos secundários é tal que se torna obsessivo.

Em suma, e agora numa crítica social e política sobre algumas questões que This is England se farta de reflectir, vejamos: como disse acima, o filme não está distanciado temporalmente de hoje, o radicalismo neo-nazi e neo-fascista está a ressuscitar nos países como maior história democrática europeia. Não são apenas tribos sociais (que acolhem negros, como neste filme), são tribos políticas que têm um discurso de tal forma enganador que por vezes nos parece apetecível de aderir. Falo por mim. São falsas verdades. P.e., quando Combo afirma que parte da classe média britânica não tem emprego porque os emigrantes, em particular os paquistaneses "se apoderaram de todo o tecido laboral" e que devem ser destituídos e extraditados para os seus países de origem, isto não passa de uma autêntica falsa verdade. Primeiro, ele próprio não trabalhava porque não queria e era tudo menos cumpridor da lei (afinal, já tinha estado preso); segundo, o outro tem todo o direito àquilo que podemos oferecer. O ocidente representa o sonho da liberdade, da democracia, do respeito, da tolerância e da justiça, e se durante anos patrocinámos tudo isto não me parece que faça hoje sentido "exportar" como se de mercadoria se tratasse seres humanos sérios e trabalhadores para o mundo opressor e com fome de que fugiram.

Nota: 5, excelente.

Ópera de Oslo - Prémio Mies van der Rohe

2009-04-30T01:39:00.001+01:00

Cannes 2009 (2)

2009-04-30T01:27:00.004+01:00

"Afinal há quatro portugueses em Cannes: além de João Pedro Rodrigues, que mostra o novo Morrer como um Homem na secção Un Certain Regard, de Pedro Costa, que estreia Ne Change Rien, o documentário sobre Jeanne Balibar, e de João Nicolau, que participa na Quinzena dos Realizadores com a curta Canção de Amor e Saúde, também Mónica Baptista faz parte da selecção da 62ª edição do festival.
Documentário de onze minutos sobre o Transiberiano, Territórios atravessa a Rússia num vagão de terceira classe em que viajam, lado a lado, um soldado russo e um checheno. Mónica Baptista usa esse vagão como maquete do complexo puzzle político russo, sempre à beira da desagregação, e acompanha os dois viajantes numa travessia a um tempo geográfica e histórica.
Territórios tem produção de Rodrigo Areias (Periferia Filmes/Associação Cinematográfica Olho de Vidro), que também estará em Cannes. Foi o português escolhido pelo Instituto do Cinema e do Audiovisual para participar na plataforma Producers on the Move, onde espera encontrar financiamento para dois filmes de Edgar Pêra e para o seu projecto de realização de um western português dividido em três partes."

in Público.

Cannes 2009

2009-04-30T01:11:00.003+01:00

"Na próxima edição de Cannes, João Pedro Rodrigues participa com Morrer como um Homem na secção Un Certain Regard, Pedro Costa e João Nicolau estão na Quinzena dos Realizadores - com, respectivamente, Ne Change Rien, documentário sobre a actriz e cantora francesa Jeanne Balibar, e a curta Canção de Amor e Saúde. Há uma parte do próximo Festival de Cannes que fala português.
Mas vamos ganhar distância: há sobretudo muitos europeus e muitos asiáticos a competir na 62ª edição do festival, que decorre de 13 a 24 de Maio: Pedro Almodóvar (Los Abrazos Rotos), Michael Haneke (Das Weisse Band), Ken Loach (Looking for Eric), Gaspar Noé (Enter the Void, um filme de terror que tem algumas hipóteses de estar à altura do "caso" que foi outro filme do realizador, Irreversível), Park Chan-wook (Thirst), Alain Resnais (Les Herbes Folles), Elia Suleiman (The Time that Remains), Johnnie To (Vengeance), Tsai Ming-liang (Visage) e Lars von Trier (Antichrist).Num ano em que Cannes olha para o oriente - o próximo e o extremo, se tivermos em atenção que a neozelandesa Jane Campion, com Bright Star, e o filipino Brillante Mendoza, com Kinatay, também entram nestas contas -, a América tem uma participação menos volumosa, mas não necessariamente secundária, na competição principal. Cannes queria ter, e teve, o novo de Quentin Tarantino (Palma de Ouro em 1994 com Pulp Fiction), Inglorius Basterds, e o novo de Ang Lee, Taking Woodstock. E, já fora de competição, há Drag me to Hell, de Sam Raimi - sessão à meia-noite, tal como previa a Variety, que acertou em quase tudo menos em Tetro, de Francis Ford Coppola, e Bad Lieutenant, de Werner Herzog. Nenhum dos dois consta do programa hoje anunciado em conferência de imprensa. Nova animação da Pixar na abertura. O festival abre com Up, a nova animação da Pixar, e fecha com o duplo Biopic, Coco Chanel & Igor Stravinsky, de Jan Kounen. Ainda em competição, ombro a ombro com Almodóvar, Tarantino e Resnais, estarão a americana Andrea Arnold, com Fish Tank, o francês Jacques Audiard, com Un Prophète, e Xavier Giannoli, com À l'Origine, o italiano Marco Bellocchio, com Vincere, a catalã Isabel Coixet, com Map of the Sounds of Tokyo, e o chinês Lou Ye, com Spring Fever. Na secção Un Certain Regard, Cannes continua a olhar para Oriente - "A nova geração de cineastas do Leste e do Extremo Oriente não tem forma, leis ou tradições para obedecer (...). Nunca tem falta de ideias visuais", escreveu o director Thierry Fremaux no programa desta edição. Há filmes do sul-coreano Bong Joon-ho, do iraniano Bagman Ghobadi, dos romenos Hanno Höfer, Razvan Marculescu, Cristina Mungiu, Constantin Popescu, Ioana Uricaru e Corneliu Porumboiu, dos russos Nikolay Khomeriki e Pavel Lounguine, do japonês Hirozaku Kore-Eda, do tailandês Pen-Ek Ratanaruang e do israelita Haim Tabakman, entre outros. Fora de competição, mas ainda dentro do ranking das novidades mais aguardadas da próxima edição: Alejandro Amenábar (Agora), Terry Gilliam (The Imaginarium of Doctor Parnassus), Robert Guédiguian (L'Armée du Crime) e Michel Gondry (L'Épine dans le Coeur)."

in Público.

Singularidades de uma rapariga loura

2009-04-29T23:58:00.007+01:00

Tive há pouco oportunidade de ver em Serralves a ante-estreia da mais recente longa-metragem do cineasta centenário Manoel de Oliveira: Singularidades de uma rapariga loura.

Como já o afirmei em anteriores crónicas, não sou nem conhecedor nato, nem apreciador crítico da obra do realizador português. No entanto, não deixo de reconhecer a capacidade criadora que teve e continua a ter ao filmar à sua maneira, muito própria, sendo ao mesmo tempo um aspecto distintivo e caracterizador do seu cinema.

O filme, como aliás é sabido, é inspirado, sendo similarmente uma adaptação do conto de Eça de Queirós, também ele com o mesmo nome. Se por um lado, entendo que Oliveira é um pouco como o whisky (não querendo ser grosseiro como a comparação), ou seja, não se gosta à primeira, vai-se apreendendo a gostar com alguma maturidade, por outro lado, qualquer um que admire a escrita de Eça acaba por gostar deste filme.

A narrativa é densa, descritiva, e, ao mesmo tempo simples, e irónica. É nos contada a história de Macário (Ricardo Trêpa) e do seu desejo e amor por Luísa (Catarina Wallenstein), a rapariga loura. Uma relação cheia de contratempos e por princípio podre, não por defeito ou culpa das circunstâncias, mas pela própria natureza do Homem.

Planos simples, crus e mais do que tudo, repetitivos abundam ao longo da película. Diálogos e discursos fora de tempo, espaços museológicos e personagens do mais teatral que há, quase a roçar a uma encenação próxima de Bresson. Oliveira filma uma Lisboa estática, de rotinas (e colinas), de hábitos: sempre do mesmo modo, de dia e de noite, sempre a mesma imagem, sempre a mesma Lisboa. Fá-lo para tornar o conto de Eça mais convincente, afinal, o próprio afirmava a comum e intemporal natureza do Homem português (burguês), sempre com os mesmos vícios p.e.; bem como, para acompanhar a própria vida literária do personagem principal, Macário, afinal mais uma vez, por mais voltas e mudanças que tentasse dar e ter, acabou por voltar ao mesmo sítio como no início da obra: solteiro e bom rapaz. É apaixonante ver Eça no ecrã.

Ainda a notar, Oliveira foi mestre nisto: acabou com o tempo entre Eça e os nossos dias. Por vezes cria-se no espectador uma certa confusão temporal na medida em que, os aspectos de natureza formal (objectos, notas, ruas, enfim) são contemporâneos, e os aspectos de natureza material (os discursos, o tratamento social, entre outros) são oitocentistas.

Em suma: Manoel de Oliveira além de manter uma realização oliveirista (como já o referi), recorre como sempre à temática dos valores sociais e morais, interpretando o papel de um cineasta pedagogo; mais, a imagem que faz cartaz ao filme é forte e provocadora, não sendo nada mais do que o desespero humano na recorrente e mais uma vez intemporal ausência de valores sociais.

Nota: 3, bom.

Capitães de Abril

2009-04-28T22:46:00.005+01:00

Depois do frenesim de mais umas comemorações do 25 de Abril, e a propósito dos 35 anos ou 33 anos de democracia em Portugal (também aqui a doutrina diverge, opto pela menor data), vi ontem o filme Capitães de Abril, realizado por Maria de Medeiros.

A narrativa do filme é a história dos dias 24 e 25 de Abril de 1974 no nosso país. É comum que em qualquer data ou acontecimento histórico com alguma importância para o curso da vida de um qualquer país, se percam as pessoas e apenas se recordem os factos, se esqueçam os homens e as mulheres para que os dados históricos prevaleçam na memória (colectiva) de uma nação. Posto isto, infelizmente ou não, a Revolução que pôs fim ao Estado Novo e à ditadura, não fugiu à regra. E, nisso, Maria de Medeiros foi mestra dando alguma vida humana, alguma personalidade e personalismo individual ao 25 de Abril: existiam pessoas, que tinham as suas vidas, ao mesmo tempo tão distantes e tão próximas entre si.

Gostei do filme. Não só pelos aspectos técnicos e de realização (que abordarei à frente), mas sobretudo pelo retrato do acontecimento em si do 25 de Abril. Podemos não gostar do que se seguiu. Pessoalmente repugno, afinal iríamos voltar a mais do mesmo (PREC). Contudo, qualquer um que tenha em si um espírito de mudança e de valores tão nobres como a liberdade e a democracia, não pode não gostar do 25 de Abril. Ainda assim, admito tal como o Miguel Sousa Tavares que, a euforia anual do 25 de Abril e as suas comemorações qualquer dia desvalorizam o próprio acontecimento histórico em si. Com isto, não menosprezo de todo a data mas, não admito que ainda haja alguma esquerda que advogue que o 25 de Abril é sua propriedade privada (aliás, seria algo irónico já que são contra a própria propriedade privada).

Voltando ao filme: é interessante perceber o dilema que na altura alguns oficiais militares e outros viviam, entre uma formal obediência hierárquica e um dever moral de consciência; entre serem aplaudidos como heróis ou vaiados como assassinos de guerra. Este é outro dos aspectos que Maria de Medeiros também aborda diversas vezes ao longo da película, e bem.

Por um lado, de notar a sublime interpretação de Stefano Accorsi, no papel de Salgueiro Maia e, por outro lado, a fantástica caracterização dos personagens e dos espaços tão "típicos" e próprios da época, mostrando também como a capital "do império", Lisboa, também tinha os seus "q" de ruralidade e atraso, portanto imaginemos o resto da "paisagem lusa"...

Merece também referência a belíssima imagem que Medeiros recorrentemente se serve: a entrada dos tanques e outros veículos militares numa Lisboa deserta de gente.

Capitães de Abril foi vencedor do prémio do público do Festival de Arcachon, além de ter ganho na qualidade de melhor filme a Mostra Internacional de São Paulo em 2000.

Nota: 3, bom.

A passagem da noite

2009-04-28T21:57:00.005+01:00

A noite de ontem foi no mínimo nacional. Dois filmes portugueses num verdadeiro serão de mantas axadrezadas e ar condicionado a 31º!

A Passagem da noite, de Luís Filipe Rocha é a realização cinematográfica daquilo a que se pode chamar um exemplo académico ou case study de Direito com uma infeliz possibilidade prática e factual.

A película conta-nos a história de Mariana, uma jovem de 17 anos que, depois de vir do enterro de um amigo, também ele de 17 anos, acaba sendo violada numa barraca da praia de Carcavelos. Dessa violação, Mariana fica grávida, escondendo de todos esse facto, querendo por tudo acabar com esse estado (de graça), não contando nada aos pais nem à polícia.

Contrariamente àquilo que se resolve numa Faculdade de Direito: a estrita solução jurídica do problema, em que a especial atenção é dada ao agente criminoso e não à vítima, Luís Filipe Rocha (apesar de licenciado em Direito) inverte os sujeitos.

O filme é bom e, por ter um argumento consistente e provocador é-lhe exigido mais, portanto, infelizmente mal aproveitado.

É a realização das desigualdades sociais, da pobreza, da prostituição, da exclusão social, enfim, da droga e que nos vai colocando difíceis questões (quase de consciência individual): se é preferível uma vida de miserável ou a morte; a eterna máxima de Platão "aquele que faz a injustiça é mais infeliz que aquele que a sofre"; a vergonha familiar ou um silêncio suturno; a culpa, (mais uma vez).

Por abordar questões como as acima referidas Luís Filipe Rocha podia ter ido mais longe, não se cinjindo à mera constatação real das mesmas.

Alguns aspectos importantes e que por vezes passam despercebidos durante o filme: primeiro, tal como o amigo de 17 anos que morrera, Mariana morre para a inocência, morre para a adolescência, vendo-se obrigada a encarar de forma muito crua a vida agora de adulta; a promiscuidade entre a Polícia Judiciária e algumas enfermeiras aborteiras não deixa de ser um ponto a reflectir.

Este é um realizador que torna a narrativa extremamente dependente dos espaços físicos (muito bem caracterizados por sinal): por um lado, os primeiros minutos da longa-metragem (em que Rocha filma o bairro em que vive a personagem de Leonor Seixas) além de serem reveladores dos "guetos" que a actual sociedade cria, das condições urbanísticas e humanas que lá se vivem, entre outros, assinalam a maior propensão social daquelas pessoas a fenómenos como a prostituição ou a drogra, p.e.,; por outro lado, a repetição exaustiva do túnel da praia da Carcavelos (local do primeiro encontro entre Mariana e o Gadelhas) torna-se o espaço físico por exelência de todo o filme.

Nota: 3, bom.

Os tambores da noite

2009-04-27T15:12:00.003+01:00

Apesar de já ter visto a peça Os tambores da noite de Bertolt Brecht, durante a semana que passou, apenas hoje tive oportunidade de escrever sobre a mesma.

Este é o primeiro trabalho de encenação de Nuno Carinhas, enquanto director artístico do Teatro Nacional São João (TNSJ), seguindo-se a Ricardo Pais (encenador das melhores peças que por lá já passaram: O Mercador de Veneza, Otelo ou ainda, A Dúvida). Portanto, depois do legado maior de Pais, Carinhas tinha sobre si uma enorme pressão. Surpreendeu e muito!

Os tambores da noite são uma autêntica apologia contemporânea ao convencionado, às convicções (e crenças) individuais e à sua consequente veracidade prática, mais, uma verdadeira reflexão sobre o estado do mundo e sobre quem o lidera.

Se me perguntassem sobre qual o género em que inseriria formalmente a concreta obra, sinceramente não o saberia: a peça tem por um lado diálogos próximos da comédia, e por outro lado, tem uma narrativa materialmente dramática, em concreto trágica.

É ainda de notar a proximidade d'Os tambores da noite com a clássica obra de Almeida Garrett, Frei Luís de Sousa, quando tal como na primeira alguém responde "ninguém" quando lhe perguntam "quem és tu?".

A obra que Bertolt Brecht considera "um perfeito exemplo da vontade humana. Fi-lo para ganhar dinheiro", (facto que, vindo de um anarquista próximo do marxismo purista, torna-o no mínimo surpreendente) conta-nos a história de Andreas Kragler, um soldado operário feito refém em África que regressa a Berlim (sua terra natal) aquando da Revolução Espartaquista quatro anos depois de ter sido dado como desaparecido. O tempo da acção são os anos de 1918-1919. Um militante teórico do socialismo que começando por aderir àqueles ideais acaba por lhes virar as costas optando por uma “grande cama, branca e larga”. Se por um lado tal comportamento revela-nos o "anti-herói" que Kragler é (opta pela noiva mesmo sabendo que esta estava grávida de outro homem e o traíra enquanto esteve em África, p.e.), por outro lado é a própria fraqueza do ideal socialista, o qual na prática mais parece algo próximo do burguesismo disfarçado de um esquerdismo pseudo-intelectual. No fundo, perante o mais fácil, o mais social e politicamente correcto, o menos desconfortável, o homem cede às circunstâncias traindo-se a si próprio, qual catárse de uma morte intelectual.

Uma peça que vive do simbólico, do visual e mais do que tudo, dos aspectos sonoros (de notar como começa a obra: ao som de estridentes tambores). Uma peça com belíssimos cenários: a lua vermelha que ocupa quase todo o palco ao longo da acção parece-nos sempre um indício trágico de algo, um indício trágico da própria auto-traição de Kragler às suas convicções e ideais. Uma peça com sublimes interpretações, acompanhadas de textos eloquentes, cómicos, e por vezes (quase) clássicos. Gostei.

Fireflies in the garden

2009-04-27T00:41:00.003+01:00

Fireflies in the garden - Um segredo muito nosso (tradução no mínimo pirosa), do realizador canadiano Dennis Lee é o protótipo de filme que tem um trailer que desperta a atenção fazendo com que se vá vê-lo, e que depois se torna uma tremenda desilusão.

A película tem um argumento, strictu sensu bom: a dramática e desordenada relação familiar entre Michael e o pai, sendo que o pretexto que Lee usa para dar o mote à longa-metragem é a morte da mãe, Lisa Taylor, numa simbólica participação (especial) de Julia Roberts.

O filme mais parece saído de uma bimbi que teve que combinar "ingredientes não combináveis", resultando daí, apenas simples clichets que se vão sucedendo uns atrás dos outros, déjà vus infantilmente óbvios, discursos previsíveis, bem como, uma sucedânea de frases feitas e combinadas.

Além do argumento que serve de base a toda a acção da película ser razoavelmente bom, como afirmei anteriormente, e do conjunto de actores, também eles bons; este filme, formalmente tinha tudo para ser bom (ou mais do que isso), mas não. Lee apresenta-nos um melodrama "de quinta", sem qualidade alguma.

Sentimento final: uma pura perda de tempo.

Nota: 1

Pranzo di Ferragosto

2009-04-21T23:41:00.002+01:00

Por insistência alheia e sem grande vontade de fazer um out cinema, preferindo antes um home cinema, lá fui (a pé) ao cinema ver Pranzo di Ferragosto - Almoço de 15 de Agosto. Uma película cómica e, bastante negra de Gianni Di Gregorio, também ele protagonista do filme. É uma obra simpática e, por não ser nem grande conhecedor nem grande entusiasta do género, deixo-vos a crítica de Mário Jorge Torres. Nota: 3

Depois de muitos anos de glória, desde a emergência do neo-realismo, sobretudo no pós-guerra, com "Roma, Cidade Aberta" e "Libertação" de Rossellini, passando pela vitalidade perene da chamada "comédia à italiana" e prolongando-se até aos 70 com um cinema de autor fortemente personalizado (Visconti, Fellini, Antonioni), o cinema transalpino atravessa um período difícil, sem soluções visíveis, que não a de telefilmes, mais ou menos indistintos. Por isso é de saudar a estreia deste "Almoço de 15 de Agosto", se bem que haja na sua concepção elementos que poderíamos associar a influências televisivas, rapidamente superadas por um inteligente uso do cenário, por personagens complexas e bem construídas e por uma "mise-en-scène" inventiva, a explorar um microcosmo de bairro, numa Roma deserta pelas férias estivas.
A primeira questão a sublinhar é, aliás, o modo brilhante como se convoca a memória cinematográfica italiana. Roma deserta, no Verão, evoca, desde logo, o périplo de Nanni Moretti pelas ruas e lugares quase fantasmáticos, em "Querido Diário", mas Gianni di Gregório nesta sua promissora primeira obra vai mais atrás, aos tempos da comédia de Dino Risi ou Mario Monicelli, com possíveis citações de "A Ultrapassagem", embora aspirando a recompor o tom de género, preferindo-o à remissão para um filme particular. Há ainda no registo nostálgico de um quotidiano ficcionado e nas figurações tragicómicas das velhas senhoras ecos do Ermanno Olmi de "O Emprego" ou de "Lunga Vita a la Signora". O protagonista, meio ocioso, meio obcecado, repega numa caracterização que associamos ao Alberto Sordi de "Uma Vida Difícil", não sem que possamos descartar rimas internas com "Os Inúteis" de Federico Fellini. Do neo-realismo recordamos a alegria de filmar e de viver de um filme como "Domingo de Agosto" de Luciano Emmer. Tudo respira cinema e pequena aventura no espaço limitado de um apartamento claustrofóbico, embora aberto à Cidade Eterna (sintomáticos os belíssimos planos do terraço) entre objectos familiares e fingimentos lúdicos, numa festa permanente que confunde gerações e explora histórias sem futuro e com um passado filtrado por um olhar penetrante e universal.
A abertura, com a leitura de "Os Três Mosqueteiros", numa luz fosca de pintura holandesa de interiores, demonstra esta paixão pela ficção transposta, lida por um filho à velha mãe, caprichosa e "coquette", interessada nos traços fisionómicos de D''Artagnan (inacreditavelmente traduzido, nas legendas portuguesas, por Dartacão, como se Alexandre Dumas não existisse e se reduzisse aos desenhos animados do passado recente) e numa recriação do mundo vivido, a partir da imaginação. A personagem do filho, um perdedor nato, especializado numa sobrevivência feliz, funciona como centro da acção e distribui os seus dotes gastronómicos e protectores, procurando harmonizar o espantoso grupo de orgulhosas senhoras dignas.
E, se a memória é o motor do filme, o esquecimento joga-se nas relações entre as anciãs que, de certo modo, tomam nas mãos os protocolos deste intermezzo de Verão: uma delas foge para fumar e apanhar o ar fresco da noite, outra recusa a dieta, "imposta" pelo filho, e come, às escondidas, a proibida massa no forno; a dona da casa esquece os seus agravos e junta-se à festa. A sexualidade, a comida, os prazeres do convívio tudo vem à colação, num registo de transgressão contagiante e poroso.
Claro que poderíamos acentuar um certo cariz autobiográfico deste filmezinho quase artesanal, em que o realizador assume também o papel do protagonista, filmando a função na casa romana que partilhou com a mãe, durante anos. Mas o que o torna cativante e irresistível é a sua vertente onírica de escape à realidade omnipresente e determinante: um pequeno sonho de um fim-de-semana de Verão, em que tudo se transfigura, tudo reverte para uma carnavalesca imitação de vida.

Linha de Passe

2009-04-21T15:18:00.006+01:00

Como disse aquando da penúltima crónica - Diarios de Motocicleta, de Walter Salles - estava bastante curioso e expectante com a recente película do cinema brasileiro, Linha de Passe, um filme também do mesmo realizador, desta vez co-dirigido por Daniela Thomas.

É bom, mas nada de surpreendente.

A concreta película tem como palco da acção e da narrativa a cidade de São Paulo, a maior cidade da América Latina, uma das maiores metrópoles do globo. O filme consegue que sintamos toda a agitação, todo o caos, enfim, toda a cidade por inteiro. Respira-se São Paulo.

Desde o fenómeno A Cidade de Deus, (um dos meus filmes de eleição), que a produção de cinema brasileiro se acorrentou excessivamente à temática da favela e dos problemas sociais. Linha de Passe não foge (infelizmente) à regra. Walter Salles e Daniela Thomas apresentam-nos um retrato de uma sociedade cada vez mais à beira da rotura, de uma sociedade (exagerando) quase pré-revolucionária, mais, de uma sociedade não coesa e numa permanente luta de classes contemporânea.

A narrativa principal conta com cinco personagens: uma mãe e quatro filhos todos de pais diferentes, estando a primeira mais uma vez grávida não sabendo quem é o pai. Todos os personagens são a tipificação de uma certa sociedade paulista, de uma certa sociedade brasileira. Cleusa, a mãe, é uma mulher amargurada com a vida, abandonada pela sorte, entregue ao seu próprio destino, empregada doméstica em casa de mauricinhos, trabalha para se alimentar a ela e aos filhos. Denis, o filho mais velho, é paquete passando a vida a deambular de mota pela urbe de São Paulo; pai de uma criança, torna-se num ladrão. Dário, outro dos filhos, é o protótipo do aspirante a futubolista por necessidades económicas. Dinho, honesto, trabalhador, apresenta-se-nos como um fundamentalista religioso, o representante daqueles que encontram na religião o único ponto de fuga para tudo o resto. Reginaldo, o filho mais novo e o único de pele negra, passeia-se o dia inteiro de autocarro pela cidade para lá e para cá, tentando desesperadamente obter a atenção da mãe e, acima de tudo, encontrar o pai. Vidas que apenas por laços familiares se encontram e cruzam, afinal, todos os personagens se nos vão sendo caracterizados pelas suas rotinas solitárias e repetitivas.

Acerca dos aspectos de realização de notar a intiligente passagem de história de um personagem para outro, além da palete de cores utilizada.

Linha de Passe, aparenta-nos por vezes um conjunto de lugares comuns à la carte e de situações sem novidade, pior, previsíveis. Factos que não abonam nada a favor do filme. No entanto, um bom exercício de um pós-realismo sócio-cultural.

Nota: 3

(Ainda bem que a sorte me reservou Barcelona e não São Paulo!).

Appaloosa

2009-04-21T15:03:00.002+01:00

Vi na quinta-feira passada Appaloosa do realizador Ed Harris. Não é mau de todo, mas, sinceramente não sou propriamente fã de western film. Enfim, Jorge Mourinha atribui-lhe nota 2, avaliação que partilho. Digamos que nem comentarei o filme como de costume.

Apetecia-nos muito gostar de "Appaloosa"; não só porque gostamos muito de "westerns", mas porque a segunda realização do actor Ed Harris depois do "Pollock" de boa memória é um filme sincero e honesto que tem o coração no sítio certo - a saber, no amor ao "western" clássico e na vontade de, simultaneamente, o homenagear e o recriar numa altura em que o género caiu em desuso.

Ainda por cima, esta adaptação do romance de Robert Parker sobre dois xerifes de aluguer (Harris-actor e Viggo Mortensen, extraordinários) que assentam arraiais numa cidadezinha sem lei para a libertar do jugo de um barão de gado lê-se como um "concentrado" dos códigos do género: amizades viris, emboscadas, ataques índios, assaltos a comboios, perseguições a cavalo, duelos na poeira, etc., etc.

Mas esse "concentrado" parece querer meter o Rossio na Rua da Betesga, demasiadas vezes colado às três pancadas, como um caderno de encargos a preencher, com Harrisrealizador a deixar o filme arrastar-se sem chama nem ritmo; Renée Zellweger é um caso gritante de "miscasting" no papel feminino; e o final que encerra uma curiosa meditação sobre o fim anunciado do velho Oeste parece pertencer a outro filme. Apetecia-nos muito gostar mais de "Appaloosa", mas a sinceridade e a honestidade de Harris e uma mão-cheia de bons momentos não chegam para fazer dele mais do que um bom esforço que não chega lá - dentro do género, preferimos-lhe o "A Céu Aberto" que Kevin Costner realizou há uns anitos.

Jorge Mourinha

Diarios de Motocicleta

2009-04-16T01:19:00.005+01:00

Depois de ontem ter visto Che - O Argentino, de Steven Soderbergh e, em vésperas da estreia do filme de Walter Salles, Linha de Passe, decidi aproveitar-me da minha MEO vendo Diarios de Motocicleta - Diários de Che Guevara, uma longa-metragem deste último.

Razões do "concreto aproveitamento": primeiro, conhecer melhor o personagem histórico e icónico que foi Ernesto Guevara de la Serna, servindo tal película de ponto de partida zero para compreender as recentes obras cinematográficas de Soderbergh; segundo, para conhecer alguma da obra de Salles tendo em conta que, estou muito entusiasmado com a estreia de amanhã, afinal, é de certo modo um retrato de São Paulo. Adiante, deixemos as considerações acerca de Linha de Passe para mañana.

Diarios de Motocicleta (adopto o nome original do filme dada a infelicidade da tradução encontrada), é uma verdadeira epopeia contemporânea da imensidão e diversidade que ainda hoje é a América do Sul. Tendo por base Notas de Viage de Ernesto Che Guevara e Con el Che por Latina América de Alberto Granado, o filme narra a viagem que em 1952 (que durou nove meses) Ernesto e Alberto fizeram de mota, a pé e à boleia pela América Latina, conhecendo a Argentina, o Chile, o Perú, a Colômbia e a Venezuela, enfim, de Buenos Aires a Caracas, passando pelo deserto de Atacama ou ainda por Machu Picchu. Uma viagem que simboliza o "nascimento" do "Che" que inunda alguns adereços de moda numa qualquer banca de uma feira dos dias de hoje. Uma fita que mostra que aquilo que somos, pensamos, e que defendemos para a sociedade e para o mundo, não passa de um reflexo de todas as experiências de vida, mais até do que a própria educação que recebemos. Mais, somos também um produto de um certo contacto com o outro, mesmo até daqueles com quem apenas nos cruzamos.

Uma película carregada de metáforas, alegorismos e tanto simbolismo. Não são os diálogos (os quais, estritamente são simples e perfeitamente comuns) que enriquecem ou criam todo o idealismo deste filme, mas sim, as belíssimas imagens de uma parte da Terra mitificada pelo seu passado, pela sua história e, sobretudo, pelas suas gentes; bem como, pela forma meramente facial e de cruo aspecto com que os fenómenos da pobreza, da fome, da iliteracia e de algum não respeito pelos Direitos Humanos são abordados nas duas horas da realização de Salles. Aspectos simbólicos como a passagem (ao nível da montagem) de Machu Picchu para Lima, representando as alterações de paradigmas de dois tipos de civilização representados pelos referidos locais, são um exemplo da subtileza e genealidade da realização do brasileiro.

É ainda de notar a forma realística e fidedigna como Salles vai caracterizando o sul do continente americano e as suas populações, até mesmo as mais indígenas, como as dos Andes; ou ainda, algum retrato social do temperamento daquelas gentes, senão vejamos: quando Ernesto força a mulher do mecânico a beijá-lo e esta se recusa, logo toda a gente do "baile da aldeia" o tenta matar atirando-lhe garrafas de vinho quando o protagonista foge a correr.

Se por um lado, Salles usa e abusa de um movimento de câmara irrequieto e que vai acompanhando a jornada de Guevara e Granado como se nalguns momentos estivesse a coxear, por outro lado a abundância de cores quentes tranquilizam tudo o resto, enfim, como que servindo de contraste ao primeiro "tique" de realização, bem como, como um sinónimo de uma América Latina autêntica e transparente.

Com um exercício de montagem exemplar, além da exelente fotografia (em concreto as que embelezam a parte final da obra) a preto e branco, Salles junta ainda mais ingredientes a este filme, tornando-o muito bom.

Finalmente, a destacar a sublime interpretação de Gael García Bernal: comparado com Del Toro, García Bernal é a humanização de um personagem em contraponto com a rigidez/maquinização humana (se é que tal palavra se pode aplicar a um humano). (Acredito que, mais por culpa do próprio "Che" enquanto homem que era durante a Revolução Cubana, do que de Del Toro e da sua interpretação). Ele chora, ri, lê e cita Lorca e/ou Neruda, escreve, sente, apaixona-se, pensa, ultrapassa obstáculos, enfim, seria como qualquer outro não sentisse uma enorme vontade de mudar o mundo. García Bernal não interpreta um "Che" assassino, guerrilheiro, comunista ou algo do género, ele é tudo menos isso; ajuda os outros, tem sentido de justiça e igualdade, guia-se por valores nobres, enfim, parece actuar como um verdadeiro cristão. Com este "Che" qualquer um lhe faria vénia, contudo, não foi ainda desta que me convenceram a comprar uma icónica t-shirt com a sua cara numa onda pop. Fiquei sim, com uma enorme vontade de fazer uma road-trip de uma ponta a outra pela América do Sul acompanhado da fantástica banda sonora de Gustavo Santaolalla.

Diarios de Motocicleta foi Selecção Oficial do Festival de Cinema de Cannes em 2004.

Nota: 4

Retour!

2009-04-15T13:10:00.007+01:00

Findas várias semanas de ausência (e semi-ausência) do mundo dos blogs, estamos de regresso. Afinal, umas merecidas férias de neve assim o ditaram.

E, nestes entretantos, ganhei uns 100€ com tudo aquilo que rejeito: demagogia; vi alguns filmes que acabaram por ser negligenciados na crítica, dado meu reduzido tempo nas últimas semanas.

O primeiro, ainda antes de começar o ELSA MUN 09 foi o filme Religious - Que o céu nos ajude, de Larry Charles. Uma película em documentário pop kitsch onde Bill Maher goza e troça de tudo quanto é religioso, de todos aqueles que acreditam em algo sobrenatural. Pareceu-me muito redutor a abordagem feita, afinal, ele próprio é também um adepto de um certo fundamentalismo: o ateu. Contudo, um fita divertida. Nota: 6O segundo filme foi Duplicity - Dupla Sedução, de Tony Gilroy. Uma longa-metragem com Julia Roberts e Clive Owen, na qual ambos interpretam antigos agentes secretos da CIA e do MI6, respectivamente. Ambiciosos, viajados e sedentos de dinheiro, tentam o golpe (roubando) uma fórmula cosmética anti-calvice. Uma fita onde as grandes metrópoles, as marcas e os melhores hóteis são reis e senhores. Contudo, uma película com uma história de certo modo confusa, bem como, com uma narrativa que se vai atropelando com episódios descontextualizados uns dos outros. Nota: 6

Futuramente e, para corresponder a imperativos de maior "equidade", a escala classificatória de todos os filmes estará compreendida ente 0 e 5 valores.

The Argentine - Che: Part One

2009-04-15T01:18:00.008+01:00

Ao fim de algumas (bastantes) semanas de ausência das salas e, do mundo do cinema, decidi (antes que saia de vez do grande ecrã) ver hoje The Argentine - Che: Part One - Che - O Argentino, a mais recente obra de Steven Soderbergh. Um filme que estreou em Portugal na abertura do FantasPorto 2009 e que, não pude ver por estar de férias em Roma.

Che - O Argentino é uma película ímpar, quando se trata de avaliar os diversos filmes que já se realizaram sobre a vida (ou parte dela) de Ernesto Guevara. Neste, Soderbergh inicia a acção presente do filme no início dos anos cinquenta aquando da subida ao poder pelo General Baptista. Mais, depois de contextualizar histórica e temporalmente a narrativa, faz referência ao primeiro encontro entre "Che" e Fidel Castro, mostrando em que circunstâncias ambos se conheceram e preparam La Revolución. A ocupar a quase totalidade da longa-metragem encontramos as conquistas e outros episódios dos rebeldes comunistas a caminho de Havana. Contudo, Soderbergh surpreende quando num sublime trabalho de realização e montagem introduz sucessivas prolepses temporais na acção, em concreto: a ida de Guevara enquanto representante de Cuba à 19ª Assembleia Geral das Nações Unidas em 1964, nos EUA. A história é esta, apenas.

O que mais surpreende e, consequentemente torna Che - O Argentino um bom filme são sem dúvida os aspectos e outros pormenores e "tiques" da realização de Steven Soderbergh. A recorrência dos sons das montanhas cubanas é uma constante no caminho de Ernesto até à capital mas, sobretudo, a realização de um "Che" de tipo documental aquando da sua ida a NYC em 1964 é brilhante: uma mostra (forçada naturalmente) de uma realização pouco cuidada/tratada, o uso do príncipio ao fim do noir, além das parecenças físicas de todos os personagens secundários com os homens reais; a confusão linguística que por vezes se instaura na acção só a torna ainda mais realista e enriquecedora, bem como, o cuidado na caracterização física dos personagens e dos espaços está extraordinário.

É ainda de notar que, se por um lado "Che", o homem, o revolucionário, o médico muitas vezes se confunde com a própria Revolução Cubana e com o comunismo latino-americano, facto é que o realizador e claro, o próprio Benicio Del Toro - com uma interpretação sublime, alías vencedor da Palma de Ouro de Cannes - constroem um (lado humano) ao personagem: além de "Che" ser permanentemente focado pelas câmaras, tornando-se os restantes personagens "super secundários", é-lhe acrescido um certo lado comum, digamos, um pouco mais sentimental.

Por outro lado, enquanto a acção de per si parece não ter (grandes desenvolvimentos) ao nível da trama, o intercalar com imagens (quase em reportagem em directo) dos 60s de Guevara na AG ONU tornam a narrativa muito heterogénea e variada.

Em suma, e, numa (reduzida) reflexão política sobre quem foi e o que ainda representa Ernestro Guevara de notar que quando afirma que "um povo iletrado é um povo que se deixa manipular", e tendo em conta a realidade social de Cuba na época, não terá ele também manipulado esse mesmo povo iletrado a segui-lo para a sua La Revolución?! Certamente que sim, no entando, deixarei mais comentários desta natureza quando vir a segunda parte do filme.

Nota: 4

ELSA MUN 2009

2009-03-27T18:39:00.002Z

Se no ELSA MUN 2008 representara França na Assembleia Geral da Nações Unidas, este ano digamos que estou a ser (por três dias) Silvio Berlusconi.

The Wrestler

2009-03-23T00:31:00.002Z

Depois de ter ficado em falta (por não ter visto e já não estarem nas salas de cinema) com Frost/Nixon, Rachel Getting Married e The Visitor, decidi ver hoje The Wrestler - O Lutador, do realizador Darren Aronofsky.

Brainstorming superficial sobre a película: achei um filme que se possa dizer "mediano"; o protagonista tem uma interpretação sublime; a narrativa em si, isto é, o argumento propriamente dito, não me encantou.

The Wrestler conta a história de Ron ou Randy Robinson, The Ram, um lutador caído em desgraça que, vinte anos antes, nos 80s, fora cartaz de muitos combates, alcançando a fama e o dinheiro. Hoje, vive sozinho numa roulote (ou no seu carro), com problemas de sustento económico, além de não ter família, Randy é a autêntica "diva esquecida". Depois de um combate, vem a ter um enfarte, alertando-lhe o médico de que teria que deixar o wrestling, pois poderia morrer. Enfim, as situações secundárias da narrativa como, a relação díficil que mantém com a filha Stephanie (Evan Rachel Wood), ou ainda, a (única) amizade que tem com Pam ou Cassidy (numa óptima interpretação de Marisa Tomei), vão surgindo entre lutas, lutas e mais lutas.

O maior valor acrescentado da longa-metragem é sem dúvida Mickey Rourke. Tem uma interpretação genuinamente fantástica. É o homem esquecido, abandonado (talvez até por si, dado o seu percurso de vida), ferido, que é mais esteróides que "cabeça", mas que não deixa de ter emoção, sentimentos, coração. Como (quase) repetidamente foi dito depois de ter ganho o Golden Globe e o BAFTA, o filme retrata a vida de um lutador, sendo que, é de tal forma semelhante à vida profissional e artística de Rourke (afinal este optando por se dedicar ao Boxe, abandonou (em parte) o cinema no final dos anos oitenta, passando a ficar apenas com fitas menores) que, mais parecem confundir-se o personagem com o actor. Discordo em parte: Randy começa e acaba no filme da mesma forma; Rourke "ressuscita dos anos 80" não para a fama, mas para o reconhecimento do público e da crítica. Com uma caracterização física extremamente adequada ao seu "eu" e aos espaços em que se vai movimentando, Rourke é ainda "filho" de uma geração onde os plásticos, os brilhos e as brilhantinas, o mundo do show-off e das luzes, das quedas e ribaltas esporádicas, do heavy metal, das licras e cabedais justos, enfim, de uma geração que não reconhece a contemporâniedade do mundo actual (não se revendo nele) e que se sente uma "mera carne velha e esquecida", como chega a caracterizar-se a si mesmo. Rourke, ri, chora, sofre, luta, tem sexo num WC público, droga-se, enfim. É o actor certo para o concreto papel.

É ainda de referir a interessante analogia que se vai fazendo entre os personagens de Mickey Rourke e Marisa Tomei: tal como ele, ela é uma stripper "fora de prazo", gasta, e com uma enorme dificuldade nas relações humanas.

Acerca dos aspectos de realização, de notar que Aronofsky usa e abusa da câmara ao ombro, quase prototipando uma espécie de filmagem em documentário, adoptando uma visão neo-realista, fria, sem floreados ou efeitos especiais, crua e acima de tudo, tão humana sobre tudo, de todos os pormenores, (até mesmo dos aparentemente mais insignificantes); durante toda a narrativa, o realizador vai seguindo os personagens por trás, num verdadeiro plano de intimidade, proximidade e transparência.

Os espaços conseguem uma relação quase umbilical com a trama, a boate onde Cassidy se despe e que Randy frequenta é também ela um último resquício dos 80s.

Nota: 7

Manhattan

2009-03-20T00:22:00.003Z

Depois de ter escrito acerca de Vicky Cristina Barcelona e, em concreto sobre Woody Allen afirmando: "mais, só não o adorei porque não sou propriamente fã do realizador", senti que fora algo "vago", melhor, pouco explicativo com a mesma expressão, no limite, quase injusto para com o cineasta. Precisamente por isto, não servirá a presente crónica como uma expressão contraditória à opinião publicada anteriormente sobre Allen, mas antes como uma opinião acerca de um filme (que adoro) incontornável na história da "Sétima Arte", e que torna Woody Allen um bom realizador.

Manhattan é se não o melhor, um dos melhores filmes de Woody Allen (a par com Annie Hall, The purple rose of Cairo ou Hannah and Her Sisters, p.e.).

Manhattan, que tem como protagonista, Allen, (além da interpretação e da realização, este foi também argumentista, juntamente com Marshall Brickman) conta a história de Isaac Davis (Woody Allen), um escritor de comédias de 42 anos, e a sua relação com Tracy (Mariel Hemingway), uma "miúda" ou litle girl (como o próprio a chamava) de 17 anos. A "isto", junta-se a friend couple, Yale Pollack (Michael Murphy) e Emily (Anne Byrne). Entretanto surge Mary Wilkie (Diane Keaton), uma philadelphier que "anda enrolada" com Yale. Entretanto já existiam Jill (Meryl Streep, num dos seus primeiros papéis), ex-mulher de Ike/Isaac, e a sua girlfriend. A meio do filme o protagonista envolve-se com Mary, deixando Tracy, vindo mais tarde Mary a reatar com Yale, e Isaac a tentar uma segunda vez com Tracy. Enfim, um turbilhão de relações que se continuasse a escrever pareceriam algo do outro mundo, no entanto, Allen simplifica-as de uma forma tão inteligente que no fim do filme tornamo-nos quase todos convictos de um certo anarquismo emocional e/ou relacional.

A longa-metragem é a pura manifestação da idolatração (em 1979) do realizador a New York City. Arrisco-me a dizer que é NYC a grande protagonista do filme, por vezes, parece-nos que Woody Allen não ignorando ou diminuindo a trama, secundariza-a para dar lugar à sua cidade: este, deixa de filmar os personagens para filmar NYC, toda ela, por completo, e com uma paixão que só ele consegue transportar para o ecrã. Poderá não ser para alguns um serão agradável ver cinema noir, contudo, só assim conseguimos sentir tudo o que WA quer com este filme.

De notar que a personagem que interpreta (Isaac Davis) é de uma densidade/complexidade psicológica incrível: ele é satírico, com uma ironia que só Allen sabe ter, inteligente, fala de Arte, Literatura, Cinema, Beleza, Vida e Morte, Sexo, muito Sexo, ele é o típico personagem que à primeira vista só por "andar" com uma "miúda" de 17 anos seria um tipo porco, deplorável, execrável, contudo, ele é tudo menos isso, é baixo, desajeitado, sem filtro naquilo que diz, por vezes azarado. Ele é quase um auto-retrato de Woody Allen.

Há um momento sublime in the end of the film, quando WA monologamente afirma que os Manhattanianos criam neuroses para si próprios evitando "problemas insolúveis e aterrorizantes sobre o universo". Com expressões de um humor inegável como, "a bisbilhotice é a nova forma de pornografia" ou ainda "quanto a relações com mulheres, eu devia receber o prémio August Strindberg"; com uma óptima banda sonora de George Gershwin, acompanhada pela Orquestra Filarmónica de Nova Iorque; Manhattan é, e citando Angela Errigo o "auge estático do romance cinematográfico entre Woody Allen e Nova Iorque".

Nota: 10

(Diz-se que comprei o cartaz/poster de Manhattan em Roma e que ficou algures num táxi a caminho do aeroporto Leonardo Da Vinci, esperando eu que já se encontre a caminho da Rua dos Vanzeleres).

Man on wire

2009-03-19T21:25:00.004Z

Já há alguém tempo que estava para ir ver um qualquer filme ao Teatro do Campo Alegre. Fui hoje, acompanhado de uma sala literalmente vazia. Diz certa crítica que, contrariamente aos restaurantes, quando uma sala de cinema está vazia ou quase vazia, significa que o filme é bom. Enfim, um mero barómetro (ainda) sem comprovação empírica.

Decidi ir à estreia (não do filme mas, do filme no Porto) do documentário vencedor de Oscar, na respectiva categoria este ano.

Man on wire - Homem no arame do realizador James Marsh, cria no espectador uma miscelância de sensações que, no limite quase se opõem.

O documentário expõe o nascimento, a preparação e a concretização do sonho de Philippe Petit: instalar um arame entre as torres do World Trade Center e, passar sem qualquer tipo de segurança de uma para a outra. Por um lado, retrata o surgimento de tal ideia que para o homem comum é absolutamente irreal e absurda, e, por outro lado, vai expondo importantes momentos da vida de Petit: desde passar as torres da Cathédrale Notre Dame de Paris, também por um arame suspenso, à repetição do mesmo "espectáculo", agora em Sidney.

Mesmo depois de ver Man on wire e, saber que se trata de um documentário, continuo a ter sérias dificuldades em acreditar como foi possível um ser humano ter feito aquilo. É extasiantemente utópico, e inumano tudo aquilo.

Deve notar-se também que, o impacto que o filme tem deve-se em muito à repetição excessiva de imagens das "Torres Gémeas", e daí o seu maior valor acrescentado. Mesmo sem haver qualquer tipo de referência aos ataques terroristas de 11 de Setembro de 2001, é assunto que constantemente nos surge na memória, afinal, para certas gerações elas eram como que o ícone máximo do Ocidente, enquanto espaço de liberdade e democracia, elas eram o mundo dito civilizado num duo de edifícios.

Mais, Marsh implicitamente relaciona certa parte da vida de Petit com a construção do WTC, como que um crescimento acompanhado e mútuo.

Há um aspecto que o documentário (no seu final) insiste repetindo por diversas vezes, porquê tudo aquilo? Porquê aquele arriscar da sua própria vida? No fundo, é algo que serve como que voz do mundo inteiro, não havendo qualquer resposta de Philippe Petit aos seus quase "admiradores(as)". Concerteza nem ele a teria.

Confesso que não sou um devoto de filmes em documentário em sentido estrito, isto é, de documentários de per si, no entanto e, mesmo sabendo que toda a película fora realizada em estúdio, o trabalho de James Marsh tem um resultado positivo. Cria para o espaço da narração, aquilo a que se designa por backstage de um estúdio: os narradores são Philippe Petit e a equipa de pessoas que o ajudou à feitura do "crime artístico do século", tendo como "cenários" p.e. material de realização e/ou produção de cinema. O momento da narração, feita em discurso directo, acompanha todo o tempo em que esta vai descrevendo o tempo da acção. Este último, muitas vezes em noir, é um exemplo de uma realização de estúdio que mais parece uma filmagem pouco cuidada da época, designadamente o Verão de 1974, facto claramente propositado; ou ainda, uma mostragem de assombrosas fotografias a preto e branco que nos mostram o francês aparentemente suspenso no ar.

Um retrato das liberdades levadas literalmente ao limite, no caso personificadas por Philippe Petit, muitos próprias e características da geração de 70.

Nota: 7

Road trip

2009-03-17T15:06:00.002Z

Para que o meu caro amigo Zémi não desvalorize este blog pela sua suposta, "intelectualidade".

Nota: (não cabe na escala usada).

A corte do norte

2009-03-17T00:30:00.006Z

Vezes há em que vou duas vezes por semana ao cinema (um número razoável), outras como hoje em que vou duas vezes no mesmo dia. No mínimo excêntrico.

No âmbito do "Ano Agustina", coincidente com o 55º aniversário da publicação d'A Síbila, Serralves exibiu hoje, em estreia, no seu grande auditório A corte do norte, a mais recente longa-metragem do realizador português João Botelho; uma película adaptada da obra de Agustina Bessa-Luís.

Com uma sala repleta de grandes nomes das artes, como Ângelo de Sousa ou Manoel de Oliveira, e, outras tantas "sumidades" e/ou intelectualidades, umas em negro integral, quais verdadeiros críticos de arte, outras em pop kitsch, como Ricardo Trêpa numa variante I love moNeY, Inês Pedrosa do Instituto Camões, autora de Fazes-me falta, discursou na qualidade de promotora/organizadora da exposição "Agustina Bessa-Luís - Vida e Obra", tecendo os maiores elogios ao génio literário da escritora, seguindo-se João Botelho, o qual elogiou bastante o seu mestre Oliveira criticando por outro lado, Pinto Ribeiro (MC), pela apatia cultural para com a cultura e para com os artistas portugueses.

Sobre o filme: parecia uma reprodução manoelista. Ninguém diria portanto que, João Botelho realizara Corrupção em 2007, ou ainda, A mulher que acreditava ser Presidente dos Estados Unidos da América em 2003. É quase uma analepse temporal do ponto de vista artístico, sabendo que o cineasta realizara a obra Quem és tu? em 2001, filme adaptado da obra Frei Luís de Sousa de Almeida Garrett.

Em A corte do norte, assistimos a uma realização dos pormenores (afinal como o próprio realizador afirmou hoje, "quando não há dinheiro para filmar uma carroça, então que se filme bem a roda"), uma realização das sombras e de um certo jogo de luzes. Tal como em Manoel de Oliveira a interpretação dos actores do filme confunde-se, por ser igual, à interpretação dos actores em teatro, qual representação oitocentista onde se troca o vulgar e informal diálogo, pela formalização/rigidez do diálogo em prosa.

Acerca da narrativa: a história de uma família, os Barros, uma família burguesa-aristocrata do Funchal. Uma família mitificada por Emília de Sousa, ou Rosalina de Sousa, ou a baronesa da Madalena do Mar, uma família marcada, e, de um certo modo com uma triste sina graças àquela mulher. Ana Moreira (actriz principal) tem com esta obra, uma boa estreia na interpretação cinéfila, interpretando várias mulheres, em vários tempos, sempre no Funchal, e que terminam todas, sem excepção, n'A corte do norte. Várias mulheres que mais parecem uma só, enfim, uma mulher intemporal sempre inadaptada ao seu tempo, bem como, às convenções sociais que o acompanham e caracterizam.

Em suma, se há quem coloque ou identifique um género ou corrente literária para Agustina Bessa-Luís, admito que se torne algo redutor: Agustina tem por um lado, o dom em cantar um Portugal, tal como Camões ou Pessoa; tem o dom de criar uma situação enjoativamente ultra-romântica, tal como Garrett (nalgumas obras pelo menos); e, por outro lado, o dom da análise, observação e crítica social, tal como Eça. Não entendo que haja portanto uma "gaveta" onde poderá ser, (por motivos de simplificação para alguns), encaixada.

Não sou de todo, grande apreciador ou admirador deste género de realização e forma de interpretação, não deixando no entanto de reconhecer uma certa qualidade do filme, daí a nota abaixo indicada.

Nota: 7

Vicky Cristina Barcelona

2009-03-16T19:39:00.006Z

Um dia complicado o de hoje: depois de mais uma reunião de ERASMUS na faculdade, lá fui, obrigado por certas "administrativices", à loja do cidadão tratar de coisas muito chatas. E não é que me deparo com 3 horas e muitas de fila de espera?! Medo. Ainda tentei ler a Courrier Internacional mas de nada adiantou o tédio social dos serviços de Segurança Social. Tinha portanto que ocupar o meu tempo. Pois bem, passados meses da estreia de Vicky Cristina Barcelona, do mestre Woody Allen, e, prestes a sair da única sala de cinema do Porto onde ainda está a ser exibido, decidi ocupar de alguma forma o meu tempo de espera vendo a mais recente obra do cineasta nova-iorquino.

De notar que, muita gente me aconselhou a não ir ver, dizendo, "não vás é mau", "não é Woody Allen de forma alguma", "é uma seca", "a história é sempre a mesma", enfim, "aluga depois o filme em DVD". Depois disto, estranhamente a minha curiosidade só aumentou e digo, gostei muito do filme, (mais, só não o adorei porque não sou propriamente fã do realizador).

A película diz tudo com o título, no entanto, este também poderia ter sido, Vicky Juan Oviedo, Cristina Juan Maria Barcelona, Vicky Cristina Juan Barcelona, entre outros. A narrativa, também ela escrita por Woody Allen, conta-nos o Verão em Barcelona de duas amigas: Vicky (Rebecca Hall) e Cristina (Scarlett Johansson). A primeira, muito objectiva, racional, quase puritana; a segunda, o oposto, deveras sentimental, aventureira, muito temperamental. Numa galeria de arte catalã conhecem Juan Antonio (Javier Bardem), um pintor catalão com o típico "ar de artista", e aí começa o filme, e aí começa o seu Verão em Barcelona. Até ao fim do filme Woody vai criando peripécias umas atrás das outras, mais, vai criando personagens como há muito não apereciam nos seus filmes. Com Vicky Cristina Barcelona, o realizador consegue retratar toda a sociedade em apenas 90 e poucos minutos. Sempre à volta do amor, das relações pessoais, de uma constante procura de um sentido para a vida acompanhada pela razão e pela emoção, sendo que sobre estas últimas vai mais longe, personificando-as em Vicky e Cristina.

Por um lado, assume uma posição céptica, por vezes quase crítica perante a sociedade convencional de hoje, isto é, perante uma sociedade que quase obriga, sob pena de rejeição social p.e., a que cada um dos seus membros siga "à risca" o convencionalmente aceite como "natural". Por outro lado, parece-nos que faz um pouco a apologia do boémio, do artístico, do amor simultâneamente "sexual-animalesco" com a perfeição intelectual da relação, não deixando de o criticar também. Coloca-nos a exentricidade sexual e artística num lado, e o programado, o materialista e socialmente pré-definido noutro lado.

Com uma avalanche de sentimentos e cores quentes, Woody Allen nem parece um americano a realizar em Barcelona. Consegue com precisão, muito requinte, cosmopolitismo, um humor muito refinado e uma ironia muito própria, filmar a cidade catalã sem parecer um qualquer espólio fotográfico de um guia American Express.

Penélope Cruz está genuinamente bem ao interpretar Maria Elena, foi portanto merecidíssimo o Oscar que recebeu na categoria de Melhor Actriz Secundária. Scarlett tem a melhor prestação num filme do "seu realizador", mais, não parece a eterna "pão sem sal" que tantas vezes interpreta.

É ainda de referir que, a caracterização física de todos os personagens está tão intimamente ligada ao seu ser comportamental, facto que os torna ainda mais convincentes.

Finalmente, a confusão sentimental de todos os personagens encontra-se intimamente ligada à própria "confusão arquitectónica" de Gaudi ou ainda, à própria confusão do Homem de hoje. Por isto, o filme parece-nos que acaba do mesmo modo como começou: afinal, o Homem não muda em menos de duas horas (tempo real do filme) ou num Verão em Barcelona(tempo da narrativa).

Nota: 9

Gran Torino

2009-03-16T00:37:00.005Z

Uma sala estridente, histérica, impaciente, barulhenta. Esta foi a plateia de hoje. Péssima!

Gran Torino, a mais recente obra do veteraníssimo Clint Eastwood, em realização e interpretação (em simultâneo), é o resultado de um olhar muito próprio e distinto de ver e viver a, e na, actual sociedade. Da narrativa (em sentido estrito), não há grande coisa a dizer-se: Walt Kowalski, interpretado sublimemente por Eastwood, é um veterano da Guerra da Coreia amargurado com vida, um homem solitário e de poucas falas, viúvo e com uma relação sempre distante com os filhos, o qual se depara com uma realidade que lhe é estranha, ser o único americano no seu bairro. Um céptico realista cru que, acaba por travar amizade com Thao, um jovem Hmong emigrante que lhe tentara roubar o seu Gran Torino de 1972. A isto junta-se um gang Hmong.

A longa metragem não é genial por isto, mas sim, por tudo o que vai retratar e representar através disto.

Por um lado, o retrato de um homem marcado pela guerra, e tudo o que ela cria (o ódio, a rigidez, a auto e hetero-dureza, a solidão, ou ainda, uma quase (tentativo de) auto-suficiência sentimental), um homem vincadamente tradicionalista, patriota, exigente com ele mesmo, mais, o exemplo de um homem de meados do século XX, filho de uma sociedade higienizada e que pretende higienizar. Este é Kowalski. No entanto, há algo de surpreendentemente louvável num personagem protagonista, como este: evolui do ponto de vista comportamental e de atitude, sendo tal, claramente óbvio neste filme. Por outro lado, é também o retrato (através do personagem principal) de uma certa América racista e xenófoba que tem uma séria dificuldade de relacionamento numa multicultural society. Walt Kowalski por vezes não nos parece que fala, mas sim que rosna como um cão (mais até do que a sua Daisy labrador). Com um sentido de humor brilhante, e um sem filtro nas palavras Eastwood criou um personagem ímpar, um personagem ainda "tipo" de uma certa sociedade ocidental que, não soube nem sabe lidar com o new world.

Este é também o filme que cruamente aborda algum choque civilizacional, de âmbito social e cultural entre o Oriente e o Ocidente. Gente que vive naquele que se diz, "o país de todas as liberdades", e que quase se apropria desse mesmo espaço (bairro onde vive) como se vivesse nas suas terras de origem. Afinal tal não passará também de uma manifestação de liberdade?! Certamente que sim.

A concreta película, é também ela sublime e, ao mesmo tempo realista na forma como trata e aborda os delicados temas, pois, contrariamente a Slumdog Millionaire que mostra a Índia pelos olhos de um ocidental pós-colonialista, Gran Torino não ilude ou distorce o que quer que seja, em particular, a realidade da comunidade Hmong dos EUA.

Citando Vasco Câmara, "se Milk, de Gus Van Sant, mostra os anos 70 para falar do presente, que é, na verdade, o fantasma que se intromete na imagem, Gran Torino passeia a câmara pelo presente em ruínas para revelar o mundo que ali está desaparecido".

Notas finais: Clint Eastwood tem uma interpretação perfeita; sobre o filme, muito bom.

Nota: 10

PORTO, neste fim-de-semana: inaugurações Serralves, Alta Baixa, Clubbing Casa da Música.

2009-03-13T13:37:00.004Z

Adam resurrected

2009-03-13T00:31:00.004Z

Uma estreia que mais parecia ter uma audiência de um qualquer filme em exibição há semanas, ou mesmo meses no grande ecrã: apenas 8 "cinéfilos". Admito que os mais entusiastas com "as estreias da semana" tenham visto, e claro, enchido a big room de Bride wars - Noivas em guerra, ou, Gran Torino de Clint Eastwood (no qual, tenho uma enorme expectativa).

Adam resurrected - Adam renascido, de Paul Schrader, (realizador que nos anos 70 trabalhou com Sydney Pollack, Brian De Palma ou ainda, Martin Scorsese), é o filme da obra homónima de Yoram Kanuik.

É uma longa-metragem surpreendentemente diferente do registo de obras que estamos habituados a ver, mais, a ideia de filme (sempre concebida a priori de o vermos) é completamente arrasada quando o pano cai.

A concreta película, aborda do princípio ao fim, um lado por vezes esquecido de tudo o que acontece (de mau) e, aconteceu (de muito mau) na História da Humanidade: aqueles que a isso sobreviveram. Adam resurrected tem localização espácio-temporal em Telavive, nos início dos anos 60, em particular, numa clínica psiquiátrica instalada no deserto. Nela, além do pessoal médico, vivem individúos (presas), sobreviventes do Holocausto nazi (judeus alemães). Pessoas que mais parecem marionetas de uma memória que as aprisiona, de um passado que lhes foi cruel. Vidas de seres humanos que mais parecem esquecidas por uma sociedade moralizante do pós-Guerra. Este é o contexto que surge para contar o passado de Adam Stein, um palhaço, um mágico artista, enfim, um comediante famoso na Alemanha pré-Guerra. No entanto, também ele, um homem normal, comum, com família, pai, tendo contudo, um sentido de humor sempre apuradíssimo. Anos depois do começo da Guerra, o protagonista é enviado com a sua família para um campo de concentração onde, ao chegar é separado desta, para servir de entretenimento a Klein - Comandante nazi. Klein, um homem obediente (afirma, como que desculpabilizando-se com o "fenómeno nazi" que, não é ele quem faz as regras; mais, sem regras reinaria o caos), frustrado, enfim, com enormes problemas de auto-estima, transforma Adam no seu segundo "Rex", ou seja, no seu segundo cão de estimação: Adam é o seu biblô humano. Este é o trauma de Adam: tornou-se quase instintivo como um cão e, não conseguiu salvar a sua mulher e a filha mais nova dos "fornos". Apesar de tudo, sobrevive.

Um filme, onde a fé individual é constantemente posta em causa, onde os porquês à própria História sucedem-se sem respostas, onde a memória é colocada como um inimigo pior do que Hitler, enfim, onde o passado vivido é visto quase como um castigo. Um filme extremamente simbólico e figurativo: o aprender a ser um ser humano de David, com a libertação psicológica/"cura pós-traumática" de Adam, são exemplo disso. Um filme que, muitas vezes parece conter algo de não real, quase mágio, ou mesmo surreal, sabendo que trata de uma temática provada como acontecida.

De notar ainda alguns aspectos de realização: Paul Schrader mistura cinema toutes les couleurs com cinema noir. O primeiro preenche a maioria da longa-metragem simbolizando o "pós-trevas nazi", o segundo, todas as "memórias Klein", isto é, todo o tempo passado no campo de concentração e, anos antes no "Circo Adam", enfim, todo o tempo em que Hitler era "rei e senhor" (ou achava-se!). Mais um exemplo (no caso, técnico), onde a simbologia está presente e faz questão em se notar.

Nota: 8

En chair et en os

2009-03-09T23:09:00.003Z

Há realizadores que, ou se adoram, ou se odeiam. Pedro Almodovar é um exemplo disto mesmo. Com um trabalho reconhecido e aclamado pelo público e pela crítica, Almodovar é um nome inultrapassável no cinema em geral, no cinema espanhol em particular. Com um trabalho, um estilo de realizar muito próprio e, com uma abordagem amplamente reflectiva sobre a sociedade e alguns dos seus aspectos mais intímos, o realizador europeu tem o dom de tratar de temáticas (muitas vezes) tabú de uma forma no mínimo sui generis.

En chair et en os - Em carne viva/Carne trémula (de 1997), sai um pouco fora do estilo e da forma de realizar Almodovar, não deixando de ser no entanto um bom filme.

A longa-metragem conta a história do "inocente", inexperiente, e confiante mas persistentemente azarado, Victor Laballe; muito bem interpretado por Liberto Rabal. Victor é um rapaz de 20 anos, filho de uma prostituta, Isabel Laballe (Penélope Cruz), que o "pariu" num autocarro público de Madrid em 1970, no auge das "restrições franquistas" de liberdades fundamentais.

Depois de uma noite ("a primeira" de Victor) de sexo e droga com uma desconhecida de nome Elena (Francesca Neri), num WC de uma discoteca madrilena, Victor, religiosamente guarda num pedaço de um guardanapo a morada e o respectivo contacto da "sua primeira". Dias depois ao contactá-la, apercebe-se do desprezo de Elena perante a sua insistência obsessiva em reencontrá-la. Contudo, Elena, pensando tratar-se do dealer por quem esperava deixa entrar Victor em sua casa. Minutos depois tudo se complica com a chegada de dois polícias: Sancho (Jose Sancho) e David (Javier Bardem).

O fatídico "encontro a quatro" acaba com tiros e afins: David fica agarrado a uma cadeira de rodas, vindo a tornar-se atleta paraolímpico vencedor de várias medalhas em Barcelona 92; Sancho continuará a violentar a mulher, Clara (esta continuará a trair Sancho) (Angela Molina), e claro, a embebedar-se consecutivamente; Elena, uma punk fora de tempo de origem italiana, vem a casar-se com David como que uma "poção mágica" para acabar com o seu complexo de culpa; e Victor, vai preso seis anos por alegadamente ter atingido David. Esta é a premissa umbilical que contextualiza os personagens e os seus relacionamentos durante o filme.

Uma película onde os personagens são tudo menos tábua rasa de algum protótipo, personagem histórica, personagem-tipo, enfim. Não conseguimos defini-los por completo até ao fim do filme; são verdadeiras "personagens redondas", como usualmente costumamos designar na literatura. Não há vilões ou heróis, bons ou maus. Em suma, dos cinco personagens centrais da narrativa há manifestações de todos os estados de alma, (quase em simultâneo): paixão, violência, ódio, amor, ciúme, obsessão, enfim, tudo quanto há.

Um thriller, adaptado da obra de Ruth Rendell, que persiste em unir o não unível, (para alguns pelo menos): a recorrência nos diálogos (alguns num tom vulgar) de assuntos como o sexo e a droga, unidos com a Bíblia, e/ou incorporados/integrados em frases bíblicas.

En chair et en os, é também o filme dos espaços exageradamente e, diabolicamente kitsch. O descontrolo de cores e uma quase proliferação de cruzes e pequenos altares caseiros impera em todos os espaços físicos.

Finalmente, a referenciar ainda que, Almodovar é único no modo como torna uma problemática dita séria, num assunto quase vulgar e/ou cómico.

Nota: 9

Bella

2009-03-08T23:41:00.008Z

Findou hoje mais um fim-de-semana. Um fim-de-semana que teve como epicentro da vanguarda artística e cultural a cidade do Porto: afinal, no passado Sábado inauguraram as galerias de arte contemporânea do chamado, "quarteirão de Miguel Bombarda". Um verdadeiro evento cultural que, torna ainda mais, o Porto como um centro de desenvolvimento cultural e social, enfim, torna a Invicta além de uma cidade turístico-gastronómica (p.e.), uma cidade de cultura e cosmopolitismo. Áreas que devem ser a aposta no novo turismo em Portugal. Obras de artistas como Ângelo de Sousa ou Gerardo Burmester estão presentes em alguns espaços de difusão e comunicação artística da Rua de Miguel Bombarda no Porto.

Pois bem, nada como acabar o fim-de-semana também com uma arte, a sétima: escolhi para ver hoje no cinema, Bella, uma película de Alejandro Gomez Monteverde.

Bella não tem uma história nada demais, é simples, comum, banal: conta-nos a história de vida de dois personagens, Nina e José. Ela, uma empregada de mesa desempregada que tenta sobreviver numa NYC despersonalizada, pouco humanizada, demasiado agitada, demasiado despreocupada. Uma mulher sofrida, por vezes quase abandonada por todos (e por si): tendo perdido o seu pai aos 12 anos, não tendo irmãos e com uma mãe paralisada pela vida, Nina conhece José no restaurante do irmão do primeiro. Um cozinheiro, ex-futebolista, que viu a sua carreira arruinada por ter atropelado uma criança anos antes. Filho de uma família "Porto-Mex" (porto-riquenha, mexicana), vive atormentado com o fatídico acontecimento do qual foi culpado. Quase um auto-retrato de Alejandro Gomez Monteverde, pois também ele mexicano, esta primeira longa-metragem do realizador consegue um resultado simpático, ainda que próximo do exagero dramático, onde tudo aquilo que é comum preenche os 90 minutos de filme.

Bella é também uma mostra da realidade de uma comunidade latino-americana nos subúrbios de NYC: uma comunidade fechada em si, com hábitos e costumes culturais muitos próprios, onde a real integração social fica longe sequer do suficiente.

Bella foi selecção do Toronto International Film Festival.

Nota: 6

Slumdog Millionaire

2009-03-05T23:49:00.007Z

(Deveria ter sido ao contrário mas), depois dos Oscars, hoje fui ver Slumdog Millionaire - Quem quer ser bilionário?, longa-metragem vencedora este ano, do realizador de Trainspotting ou Sunshine, Danny Boyle.

O película é claramente Hollywood e, Bollywood do princípio ao fim dos 120 minutos do filme: tem uma história de amor; tem encontros e desencontros amorosos; tem pobreza e riqueza; tem show off; é uma "grande produção"; tem um irmão mau, e um irmão bom; tem bons e maus; e claro, tem um final feliz.

Ao lermos o anterior parágrafo parece que não gostei do filme, mais, que o achei um tanto piroso ou kitsch, mas não, ou pelo menos estritamente, não.

Com um argumento (de base: um amor aparentemente impossível durante 115 minutos de filme, mas com um final feliz e contente - últimos 5 minutos) nada inovador, Danny Boyle foi pelo contrário extremamente original na forma como o adaptou. Apesar de ser a temática mais recorrente e usada (quase gasta), ao longo da história do cinema, o realizador inovou tornando-o actual.

Por um lado, caracteriza sensorialmente (através da visão e por vezes do olfacto) a Índia, apontando gravíssimos problemas sociais, e outros culturais; problemas que numa Democracia como a Índia o são ainda menos admissíveis. Por outro lado, relaciona muitíssimo bem algumas ancestrais tradições/costumes culturais indianos com, exemplos e outros ícones do capitalismo contemporâneo (o programa de TV que dá nome ao filme, na versão portuguesa claro, é aliás exemplo disso) e, o modo como ambos os factores co-habitam e, se interligam actualmente no quotidiano social indiano.

De notar ainda, a forma (à grande produção!) como Boyle consegue no mesmo filme contar uma mesma história de vida em três tempos diferentes.

Um retrato singular de uma cultura, feito através de um personagem com origens num bairro de lata, acompanhado de uma fenomenal banda sonora de A. R. Rahman.

Em suma, e, apesar de compreender o porquê de ter sido Slumdog Millionaire o vencedor do Óscar para Melhor Filme, (afinal, como escrevi no início, este filme é tudo aquilo que a Academia gosta) The Reader e Milk também estariam definitivamente à altura de tal distinção.

Nota: 7

L'Heure d'été

2009-03-05T00:21:00.005Z

Antes de sair de casa para ir à aula de francês a vontade era pouca ou, mesmo nenhuma em atravessar a Avenida da Boavista até à Alliance Française. Porém, o mesmo estado de vontades depressa se alterou quando a encantadora Professora nos oferece convites para a ante-estreia de um filme. Estado de vontades: (agora), no seu melhor; (apesar de ser nas pouco confortáveis salas - sem pipocas - do Cidade do Porto). Pois bem, vim de lá agora.

L'Heure d'été - Tempos de Verão, do realizador Olivier Assayas, também ele realizador de Paris, je t'aime, traça-nos um simbólico retrato familiar de uma alta burguesia intelectual tão ao estilo francês. O pretexto que inicia o filme é o 75º aniversário de Hélène , (tão brilhantemente interpretada por Édith Scob), no qual toda a família se reúne. Frédéric (Charles Berling) vem de Paris, Adrienne (Juliette Binoche) de NYC e, Jérémie (Jérémie Rénier) de Shangai. Eles e os filhos se reunem na casa de Hélène na province, para o único encontro anual da família: o aniversário da primeira.

Podemos afirmar que tal como as três gerações presentes no retrato familiar que faz cartaz da película, o realizador também dividiu o filme por três partes.
À primeira vista, tudo parece simpático, agradável, "saudável". Contudo, o presentir da morte por parte de Hélène leva-a a falar, quase repetindo-se sobre o seu fim e, as consequentes consequências disso. Mais, quando se vê de novo sozinha, o peso da solidão aumenta.

Com a sua morte, os três filhos começam por discutir sobre o que fazer à casa, à vastíssima colecção de arte, além do valioso espólio de mobiliário de Arte Nova. Decidem a venda da primeira e de parte da segunda, vendem a terceira ao Museé d'Orsay de Paris. De notar que, é a casa, o epicentro do desenrolar da narrativa. Também ela, tal como os personagens, vai mudando, pelo menos de estatuto para estes: de casa de família, a imóvel em avaliação repleto de arte, também ela em avaliação, para, finalmente e já em fase de pré-venda, se encontrar vazia de personalidade abrigando uma rap party organizada pelos netos de Hélène. A descrição destas três gerações de uma família está notável: o permanente simbolismo visual do vestuário e dos espaços vai acompanhando o tempo e as suas evoluções. Desde espisódios como Hélène ter sido a última paixão do seu cunhado, um famoso pintor, e daí ter havido uma relação ente ambos, passando por hábitos em fumar droga por parte filha de Frédéric, a qual fora educada (liberalmente).
Um bom e agradável filme que reflecte sobre o valor da memória (colectiva, familiar, enfim) e do passado, tantas vezes hoje desvalorizado socialmente: tal como Hélène diz à sua filha Adrienne, "gostas pouco de coisas com o peso dos anos".

Uma produção do Museé d'Orsay seleccionada nos Festivais de Cinema de NYC, San Sebastian e Toronto. Uma longa-metragem que só nos apetece voar amanhã para Paris!

Nota: 8

Doubt

2009-03-04T00:07:00.005Z

Depois dos óptimos dias que passei em Itália, nada como voltar à rotina. (Comummente costumamos utilizar a palavra rotina, como que associada a um hábito ou a uma prática reiterada de certos comportamentos, com um sentido não positivo. No entanto, nem sempre assim o é: afinal as várias idas ao cinema são prova disso mesmo).

Com o sentido de aproveitar para ainda ver no grande ecrã alguns dos filmes premiados em diversas instâncias do cinema em 2009, decidi (apesar da "dúvida") ver hoje o filme Doubt - A dúvida, do realizador John Patrick Shanley.

Doubt, parece à primeira vista contar-nos a história da relação de um rapaz de raça negra com um padre e, uma freira pouco simpática, tendo como realidade espacio-temporal uma paróquia no Bronx em 1964. Nada animador portanto. Contudo, a referida "lengalenga" apenas serve de premissa inicial àquilo que Shanley pretende transmitir: o confronto de doutrinas (conservadoras e progressistas) e posições (antagónicas) e, as consequentes dúvidas (e certezas) que daí surgem. Dúvidas perante a fé, dúvidas perante o comportamento humano, dúvidas sobre a instituição Igreja (e claro, quem a dirige), dúvidas que parecem certezas perante o outro.

Com um bom texto, Doubt vence e vale a pena pelas sublimes interpretações de Meryl Streep, Philip Seymour Hoffman e Amy Adams. Representando seres humanos distintos entre si e, nas atitudes perante a vida; os três personagens tipificam quase personagens-tipo: da tolerância e da falta dela, da compaixão e da falta dela, da integridade e da falta dela, enfim.

De notar que, Shanley além de realizador foi também autor do argumento e do texto, sendo um tanto autobiográfico da sua própria infância.

(Apesar de ainda não ter visto a longa-metragem de Woody Allen rodada em Barcelona, a qual valeu a Penélope Cruz o Óscar na categoria de Melhor actriz secundária, admito ainda assim que, Amy Adams também o merecesse. Esta surpreendentemente bem. Analogamente o afirmo em relação a Philip Seymour Hoffman e, neste caso vi The dark night).

Finalmente, e, por não o ter feito na altura em que vi a peça A dúvida no TNSJ, com a Eunice Muñoz e o Diogo Infante, encenada pelo último, de realçar as memoráveis interpretações que também eles tiveram nos papéis da Irmã Aloysius e do Padre Flynn, respectivamente.

Nota: 8

Ganhar a Vida

2009-03-03T00:34:00.005Z

Ganhar a Vida, do realizador João Canijo tem à primeira vista um argumento pobre, banal, comum, enfim mais do mesmo. E, no limite, assim o é. Contudo o discípulo de Manoel de Oliveira, como quem trabalhou no início dos anos oitenta, e/ou de Wim Wenders, adapta-o de forma brilhante.

A longa-metragem do realizador português conta-nos a história pobre, banal, comum, enfim mais do mesmo, de uma mulher que perde o seu filho. Cidália Ribeiro, interpretada de forma sublime por Rita Blanco é uma mulher emigrante portuguesa que vive na periferia de Paris, em Villeneuve de Saint Georges. Cidália, uma empregada de limpezas, vivendo em difíceis condições económicas, vive a trabalhar na esperança de uma melhor vida, com o objectivo de um dia voltar para Portugal. Até aqui, a história é de uma mulher pobre, banal, comum, enfim mais do mesmo; contudo, um dia o seu filho mais velho, Álvaro, é brutalmente assassinado pela Polícia. A partir daqui, toda a vida de Cidália se vai degradando. A viver no seio da comunidade emigrante nacional nos arredores de Paris, Cidália não aceita as evidências do facto, revoltando-se, tentando agir contra a polícia, enfim, tentando superar a morte do seu filho. O argumento é isto, somente isto. É com tudo o resto, especialmente com o desempenho de Rita Blanco que, João Canijo faz deste filme, um excelente exemplo da boa produção de cinema português.

O retrato que faz dos emigrantes portugueses revela-nos uma comunidade fechada, envergonhada, com medo, pouco unida, "guetizada", com enormíssimos problemas sociais e de integração na sociedade, no caso a francesa. É assustador pensar-se que o maior inimigo de Cidália fora a sua própria comunidade, ao ponto de lhe destruírem e queimarem a casa, apenas por confrontar a Polícia com respostas, com a verdade.

Com uma realização intencionalmente (quase) amadora/primária, Ganhar a Vida, vence pelo simbolismo: a tentativa da comunidade de emigrantes em recriar um ambiente que lhes seja familiar (português, portanto) é sinónimo de Fátima, Futebol (SLB), Fado, (bacalhau, ranchos folclóricos, Goucha, Romana, Anjos ou Ágata). Os ambientes propositadamente escurecidos e humildes, onde abundam Santas e flores de plástico, servem de palco a problemas familiares de total desestruturação do agregado, onde a violência doméstica convive ("desde que não vá para o hospital") com uma religiosidade cega, bem como, com a delinquência juvenil.

Uma obra neo-realista produzida por Paulo Branco, que versa sobre pessoas sem terra, sem identidade, sobre uma comunidade em que o silêncio é a regra, numa tentativa de quase auto-suficiência.

De notar por fim que, Ganhar a Vida, de João Canijo fez parte da Selecção Oficial do Festival de Cannes em 2001.

Nota: 9

Indietro!

2009-03-02T23:48:00.003Z

Depois de quase uma dezena de dias de férias em Itália, respectivamente em Roma, Veneza (e de novo, Roma), as regulares crónicas no boulevard.246 regressam.

Posto isto e, apesar de já passada, merece a cerimónia dos Óscares de 2009 algumas notas: dada a já repetida falta de tempo em época de exames, não pude ver todos os filmes que pretendia até à noite da sétima arte no Kodak Theatre. Senão vejamos: ainda não vi Vicky Cristina Barcelona ou ainda, o vencedor Slumdog Milionaire. Por isso, naturalmente não me pronunciarei sobre as categorias de melhor filme e de melhor actriz secundária, no caso, Penélope Cruz. Ficarão futuras crónicas sobre as mesmas películas para esta semana (espero!).

Contudo, apesar de não ter sido uma surpresa, fiquei extremamente satisfeito com os vencedores dos óscares de melhor actor (Sean Penn) e de melhor actriz (Kate Winslet). As razões estão expostas nos posts dos filmes Milk e The Reader - O Leitor, respectivamente.

Estes dias na Città Eterna, apenas me reservaram o último dia do 29º Fantasporto. Pois bem, não perdi a oportunidade e lá fui ontem ver The Escapist, do realizador Rupert Wyatt. Uma longa-metragem que narra a vida Frank Perry (Brian Cox), um prisioneiro que tenta escapar da prisão. Parece algo realista, mas não, a sua marca de "fantástico" mantém-se. Um filme com poucos e infantis diálogos (e, ainda bem! Afinal o filme não era legendado...) onde a imagem sim, é essencial, fazendo esta, o próprio acontecer/desenrolar da trama. Uma película onde o real e o imaginado quase se confundem. Essa também é a confusão interior do protagonista.

40 heures!

2009-02-18T20:36:00.003Z

Comecei hoje les quarante heures de français! No início a escuridão era total, no entanto, foi-se fazendo luz durante a primeira aula... Afinal, começou hoje compte à rebours de Paris!

FANTAS 2009

2009-02-16T11:56:00.007Z

Começa já 6ªf a 29º edição do FantasPorto, Oporto International Film Festival, ou simplesmente "Fantas"! Além das novidades deste ano, o qual pela primeira vez também estará em Lisboa, o Fantas apostará em cinematografia asiática ou ainda, em arquitectura e cinema. "Che, o Argentino" de, Steven Soderbergh será a longa-metragem de inauguração da edição deste ano.

http://www.fantasporto.com/

The Reader

2009-02-13T00:12:00.007Z

Há já muito tempo que não saía do cinema deslumbrado, encantado, rendido, enfim, maravilhado com o filme que acabara de ver. Pois bem, foi hoje (e, nada melhor para começar este tempo em que os códigos e afins se podem arrumar na estante).

The Reader - O Leitor, realizado por Stephen Daldry conta-nos uma história digamos que diferente, da vida, do amor, do tempo. Tudo começa com um encontro casual entre Hanna, uma mulher mais velha, e Michael, um "miúdo"- termo pelo qual ela o tratava. Volvidos três meses sem se encontrarem, por ele estar doente, o aparente encontro de circunstância do início dará lugar a algo, a que, comummente o senso comum chama de paixão. Os dois, iniciam uma relação que exterioriza à primeira vista apenas sexo, estando no entanto verdadeiramente além do meramente observado. Mantêm durante o último Verão dos anos 50, uma relação onde o meio de comunicação verbal é a literatura (Michael lê-lhe quase como que ritual preliminar clássicos como Homero, Tchekhov, ou Dostoievski) e, o meio de comunicação corporal é quase animalesco. Começam por não saber porque forma se chamariam e, acabam sem conhecerem nada de nada um do outro. Nisto, Hanna desaparece. Passados oito anos, Michael, estudante de Direito em Heidelberg, reencontra a mulher enquando arguida num julgamento de crimes de guerra cometidos durante a II Guerra Mundial pelos nazis. Aí, vem a descobrir a verdadeira Hanna que lhe dissera "não me queiras conhecer". Desolado assiste à leitura da sua sentença (em parte injusta), ficando estupfacto e deveras perturbado por esta ter sido um soldado das SS em campos de concentração.

A fita aborda, as temáticas ancestrais e civilizacionais da moral, do bem e do mal, e sobretudo, da culpa (sempre tão presente na literatura russa). A culpa dela pelo seu passado sem humanidade que a levou a matar mulheres judias em Auschwitz; a culpa dele por não ter revelado o analfabetismo de Hanna em tribunal.

A perfeição desta longa-metragem é tal, que a repetição de pormenores, gestos e pequenos diálogos é claramente propositada. Stephen Daldry "brinca" com o tempo como nenhum outro realizador, torna a mulher enquanto ser, o centro do filme (tal como em The Hours) cria momentos e diálogos que subsistem na nossa memória, desenvolve espaços físicos e ambientes que amparam toda a narrativa ao longo ao longo dos quase quarenta anos em que esta vai decorrendo, escolhe Nico Muhly como autor da exelente banda sonora, como se o som que produz fosse propositadamente criado para este filme.

Kate Winslet interpreta o papel da sua vida, está perfeita, melhor do que nunca; toda a sua caracterização física e de atitudes revelam uma mulher sofrida, crua, gélida, ainda assim, humana. O realizador conseguiu desfigurá-la, tal como o fez a Nicole Kidman em The Hours. Apesar de não superar o seu desempenho em The English Pacient, Ralph Fiennes é o actor perfeito para a interpretação de Michael Berg. O olhar deprimido e deprimente de pessoa reservada que, tão bem sabe fazer estão caracterizadores de um homem agarrado ao passado, como se pretende.

Nota: 10

FÉRIAS!

2009-02-12T19:57:00.004Z

... e a uma semana de embarcar para Roma!

Goodbye Lenin!

2009-02-11T03:22:00.006Z

Desde que estive em Berlim, há uns meses, que tinha pensado rever este filme que, tive oportunidade de o ver no cinema (2003). Pois bem, foi hoje, precisamente, agora mesmo.

Good Bye, Lenin! - Adeus, Lenine!, do realizador Wolfgang Becker é um dos grandes filmes da produção contemporânea. O argumento, é de todo original e espantosamente bem adaptado. A concreta fita, conta-nos a história (familiar) de uma mulher e dos seus filhos que vivem para lá da já derrubada "cortina de ferro". Ela, uma mulher convicta e, partidariamente socialista que, quando vê o seu filho Alexander numa manifestação anti-comunismo reclamando liberdade, tem um ataque cardíaco, ficando oito meses em coma. De notar que estamos no Outono de 1989. E, neste espaço de tempo, todas as grandes transformações do fim do século XX ocorrem precisamente naquele tempo, e naquela cidade - Berlim.

Quando acorda, sem saber, o mundo e a sua RDA mudaram. Contudo, e, por correr perigo de ter outro enfarte, o filho faz de tudo para que ela nada note, quanto às enormes alterações que estavam em curso. Enfim, todas as peripécias ocorrem a partir daí: desde uma estátua de Lenine a ser transportada no ar por um helicóptero, ou, à suposta rendição da Coca-Cola ao socialismo.

Com uma realização deveras divertida (por vezes, quase infantil - aceleração de imagens), e bem conseguida (a interposição de vídeos e imagens da época de fonte jornalística), o realizador conseguiu desta forma retratar os episódios recentes da queda do Muro de Berlim, além da reunificação das "Alemanhas" de um modo diga-se, original. Wolfgang Becker foi também inteligentíssimo nas sucessivas analogias e antíteses que vai fazendo ao longo de toda a longa-metragem: a saída de casa pelo pai para a RFA e, as viagens espaciais de 1979; ou ainda, um Trabant revestido a Coca-Cola. O mesmo, retrata tão bem ainda, a "loucura" capitalista para os habitantes do east side, fascinando-se p.e. com uma artista porno masturbando-se na TV, ou com o fast food da Burger King.

São ainda de destacar os espaços e as roupas utilizados: os primeiros numa representação viva de um espaço modesto em recursos mas, exagerado em literatura e música clássica, tendo como pano de fundo apelativos papeis de parede; os segundos um autêntico revivalismo (para nós, claro) do "integral ganga", tão "moderno" no início dos 90s.

Em suma, a sublime banda sonora de Yann Tiersen (a qual também acompanha a película Le Fabuleux Destin d'Amélie Poulain) parece criar no espectador um sentimento melancólico de tudo, no entanto, aquilo que vamos vendo contradiz precisamente aquilo que vamos sentido a ouvir. É mais uma das antíteses propositadas de Becker. Enfim, aquilo que somos começa e acaba naquilo em que acreditamos e nos tornamos convictos.

Nota: 9

Oliveira

2009-02-10T01:09:00.004Z

Apesar de não ser grande entusiasta, nem um conhecedor exaustivo da obra de Manoel de Oliveira, facto é que, o seu recente filme Singularidades de uma rapariga loura, com Catarina Wallenstein interpretando a personagem do génio Eça, terá estreia mundial hoje, dia 10, em Berlim, no Festival Internacional de Cinema que decorre na cidade.

A par da apresentação mundial da longa-metragem (apesar de ter pouco mais de uma hora), o realizador português com um século de vida, será homenageado com o prémio especial Berlinale Kamera pelo conjunto da sua carreira.
Com uma obra de qualidade duvidosa dizem uns, ou, com uma obra única e genial do cinema português dizem outros, o Sr. tendo ou não qualidade, pelo menos reconhecimento internacional não lhe falta.

The Duchess

2009-02-09T00:34:00.004Z

Pelo título desta crónica, poderíamos pensar que se trataria de algo familiar à pastelaria/doçaria (gaulesa), como duchaise e afins, mas não passa de uma palavra (quase) homófona, ainda que sejam palavras oriundas de diferentes línguas.

Trata-se sim do filme The Duchess - A Duquesa, um drama histórico, realizado por Saul Dibb, que tem a belíssima Keira Knightley na interpretação da protagonista - Georgiana Spencer Cavendish (antepassada de Diana Spencer), Duquesa de Devonshire por casamento.

Um bom filme de época que conta a história de uma aristocrata tremendamente influente do século XVIII. Uma fita que põe a nu, as esquizofrénicas convenções morais e sociais da Inglaterra numa altura de algumas convulsões classistas; uma fita que cruamente reflecte sobre o papel da mulher familiar e socialmente. Episódios de infedilidade e adúltério, de parecendo não o sendo, ou ainda, de uma certa fachada para esconder uma certa podridão são constantes ao longo do filme.

Mais, Keira Knightley está encantadora, conseguindo uma óptima interpretação da modernidade e abertura social, cultural e política que caracteriza a Duquesa. Por outro lado e, representando a austeridade e conservadorismo encontramos um Ralph Fiennes completamente adequado à interpretação do Duque. Para completar o triângulo (amoroso, ou não) que se forma na trama, aparece-nos Charlotte Rampling, no papel de Lady Elizabeth Foster, também ela extremamente representativa da "outra".

Apesar de tudo, não me parece um argumento muito "forte". É tudo o resto que faz deste filme, uma obra simpática.

Finalmente, a destacar a meticulosa representação/caracterização espacial, física e comportamental de todos os personagens intervenientes na narrativa, e figurantes. Neste ponto, a aposta foi claramente ganha.

Nota: 6

O dia do regicídio

2009-02-08T15:25:00.003Z

Concordo (com alguma e, certa) crítica quando afirma que a fraca qualidade da produção televisiva nacional é uma realidade. Basta perder-mos uns singelos cinco minutos para ver o que quer que seja produzido pelo canal, outrora da Igreja, hoje, vulgo TVI. Não faltam (infelizmente, muitos) exemplos da péssima qualidade de séries, telenovelas, e outras, produzidas pelo quarto canal, senão vejamos: os "actores" vão rodando de produção em produção, não porque tenham uma versatilidade tal que os permita a isso mas, porque os contratos assim o exigem; afinal basta estarem inscritos numa qualquer agência de modelos para que sejam catapultados para os "Morangos com Açúcar" e daí por diante; os textos são além do clichet do costume (o marido que trai a mulher com a cunhada, ou as irmãs separadas à nascença, enfim), não havendo portanto criação argumentativa alguma.

Contudo, no âmbito da matéria em causa há excepções (não da TVI, claro!). A série "O dia do regicídio" (RTP 2), da autoria de Filipe Homem Fonseca e Mário Botequilha e, realizada por Fernando Vendrell é prova disso mesmo. Este conjunto de seis episódios conta-nos o antes, o próprio regicídio, e o depois deste. Com sublimes representações nomeadamente de Ricardo Aibéu (Manuel Buíça), Pedro Wallenstein (Dom Carlos), Pedro Carmo (Aquilino Ribeiro), Suzana Borges (Dona Amélia), Manuel Wiborg (Alfredo Costa), Adriano Luz (João Franco), Virgílio Castelo (Afonso Costa), João Grosso (Luz Almeida), ou ainda Diana Costa e Silva (Maria), são um óptimo exemplo da qualidade da ficção nacional. Além das já classificadas interpretações, tanto todo o guarda roupa como os espaços estão a rigor.

De destacar ainda, que em apenas seis episódios, consegue o espectador apreender a construída (e bem), densidade psicológica de alguns personagens como Manuel Buíça, um homem que, como o próprio escreve em testamento no dia 1 de Fevereiro de 1908, nada tem, deixando assim os seus dois filhos "pobríssimos", pedindo à personagem de Diana Costa e Silva (Maria) que os eduque nos valores da Liberdade, da Igualdade, e da Fraternidade, e, pelos quais morrerá.

Valkyrie

2009-02-06T00:50:00.004Z

Contrariando o dito de ontem acerca da falta de tempo disponível para "lazer", fui hoje à estreia de Valkyrie - Valquíria, um filme de Bryan Singer, com Tom Cruise no principal papel, interpretando o Coronel Claus Schenk Graf von Stauffenberg; o homem que poderia ter mudado a história do século XX.

Da trama, nada de novo quanto aos factos históricos ocorridos, assistindo o espectador a um desenrolar (fulminante) de factos descritivos reais.

Sobre Tom Cruise, de notar que não desempenhou mal o papel de dissidente nazi, havendo no entanto alguns aspectos deste que merecem comentário: em diversos momentos do filme, assistimos a uma não representação, onde Tom Cruise interpretando Stauffenberg, não existe no ecrã, enfim, anula-se. Nisto concluímos o seguinte: ou a sua prestação poderia ter sido bastante melhor ou, há um intuito em que tal aconteça; assim, assistiríamos a um Coronel coerente, ao afirmar que não tinha qualquer interesse pessoal no sucesso da Operação Valquíria (daí o seu comportamento algo, discreto), mas sim, um interesse altruísta para com a Alemanha (pós-Hitler, como pretendia) e, por isso muitas vezes ao longo do filme não notamos sequer a presença de Cruise. No fundo, mais importante do que quem dirigia a operação, era definitivamente o seu sucesso.

Há um momento sublime no filme, aquando nos surge a música de Wagner, fazendo uma clara analogia com o nacional-socialismo, como aliás Hitler afirma num dos poucos diálogos que tem com o Coronel.

De notar a fantástica caracterização de todos os personagens (ao nível do guarda roupa da época p.e.), bem como, dos espaços onde decorre a narrativa.

Nota: 6

(Com este filme, pode ser que agora algum realizador português se lembre de fazer uma longa-metragem sobre a vida e o "legado" de Aristides Sousa Mendes. Tal como Stauffenberg surge no cinema sem grande parte dos espectadores o conhecer, Aristides Sousa Mendes surgiu como "finalista" de um concurso de TV sobre personalidades nacionais. E, como saberão as aparentes coincidências não se ficam por aqui).

Estudos, ou nem tanto.

2009-02-05T19:04:00.002Z

Durante o estudo desta tarde, Cristina Bragança desata aos risos com este texto dos seus estudos, no âmbito da cadeira de Histologia, curso de Medicina:

Cada vez que vejo, na televisão, estas pobres crianças do mundo a morrer de fome, não consigo evitar o choro. Quero dizer, gostaria de ser tão magra quanto elas, mas sem todas aquelas moscas, a morte e tudo o resto. Por Mariah Carey.

MEDO.

Berlinale 2009

2009-02-05T15:08:00.005Z

Começa hoje o 59º Internationale Filmfestspiele Berlin que, como dizem algumas más línguas os 26 filmes (destes, 8 não estarão em concurso) que estrearão no Festival de Cinema da capital alemã, versarão recorrentemente sobre "a crise". E?! Afinal o cinema além doutros, deve ter um olhar crítico, de reflexão sobre a sociedade, em concreto sobre a actual - 2009.

Revolutionary Road

2009-02-05T01:03:00.003Z

Há alturas em que a escassez de bons filmes assusta dado o (excessivo) tempo livre para ir descontraidamente ao cinema e, outras em que o completo "bombardeamento" de óptimos filmes nos torna as escolhas mais difíceis, dado o escasso tempo que vamos tendo para ir ao cinema. Esta é sem dúvida uma altura que se inclui na última.

Sem mais, (e, tentanto "ganhar" tempo) fui hoje ver Revolutionary Road - Apenas um sonho, de Sam Mendes. Tinha uma enorme expectativa sobre tal película e, eventualmente por isso mesmo, não saí do filme surpreendido, ou sequer encantado com o mesmo. Este, não tem de todo um argumento original ou inovador, pelo contrário, é já uma temática recorrente do realizador de ascendência lusa. Como é sabido, Sam Mendes realizou entre outros, American Beauty - Beleza Americana, filme que já aborda (e, bem melhor) as problemáticas do american dream e/ou american way of life.

Contudo, e, contrariamente à película que lhe valeu o Óscar, assistimos às meritórias interpretações do casal Titanic - Winslet e DiCaprio. O filme é deles, existe para eles, vive deles. Durante as duas horas da longa-metragem o pano de fundo resume-se ao duo que formam enquanto casal suburbano, que vive na periferia da "cidade" e, aos seus problemas (quase existenciais). Vivem numa angústia angustiante, vivem num "vazio desesperante" (como afirmam) e, mesmo tendo consciência (a qual é diversas vezes personificada pelo "louco" - Shannon) disso, assistem impávidos mas não serenos, à sua conformação a corolários/convenções sociais que tão teoricamente rejeitam. DiCaprio vive para trabalhar (mesmo não se sentindo nada realizado com o que faz), pensando que a felicidade que tanto anseia se concretiza e, em si se encerra, numa "bibenda" com mais de duzentos metros quadrados e um bocado de relva, com um carro na garagem. Vidas rotineiras, monótonas, gente do pós-Guerra que vive o boom económico americano. No fundo, gente que "vai na onda" do parecer, nunca do ser.

De notar ainda, a simbologia variada e recorrente de excertos e certos elementos visuais no filme (sangue p.e.), tão intiligentemente reproduzidos, acompanhando o diálogo visual que Sam Mendes insiste em manter connosco, nomeadamente, através da pormenorizada e exelente decoração interior da casa, qual coliseu, palco de uma tragédia grega.

Nota: 6

O rapaz do pijama às riscas

2009-02-01T23:58:00.002Z

Arrisco-me a dizer que as temáticas sobre a 2ªGuerra Mundial e, em concreto o nacional-socialismo, vulgarmente designado nazismo, enquanto regime político e todo o seu enquadramento social, têm sido sem dúvida recorrentes na história do cinema. E, tal premissa poder-nos-ia concluir que o referido argumento estaria hoje gasto, repetitivo, sem novidade. Contudo acabei de ver um filme que é prova exacta do contrário.

The Boy in The Striped Pajamas - O rapaz do pijama às riscas, de Mark Herman, baseado no romance de John Boyne, conta-nos a história de um rapaz de 8 anos, Bruno (filho de um comandante nazi), e da sua família.

Com a mudança de casa, Bruno sente-se entediado por não ter amigos para brincar e, decide começar por explorar o terreno circundante à sua nova morada. Nisto, conhece Schmuel, um rapaz judeu da sua idade com que trava amizade. Contudo, este encontrava-se cativo num campo de concentração, facto que impedia o relacionamento de ambos. A forma interessante como Herman vai desenvolvendo a narrativa, faz com que nos apercebamos da ascendente perda de inocência de Bruno, fruto da dura realidade que vai conhecendo por Schmuel.

Um filme, que nos mostra como a violência, o ódio e o preconceito (no caso racista) levaram homens a manter cativos outros homens, apenas por pensarem de forma diferente, enfim, levaram homens a matar outros homens. Um filme, que nos mostra que também existiram crianças que foram alvo da loucura de uns.

Além de alguns aspectos históricos importantes, esta história fictícia, dá-nos a conhecer a vida das mulheres na época. Cativas de um compromisso matrimonial, eram críticas ferozes do regime que os seus próprios maridos ajudavam a construir.

Esta película é também ela uma homenagem aos milhões de seres humanos vítimas do holocausto. De destacar ainda, a magnífica banda sonora que nos acompanha ao longo de toda a longa-metragem.

Considera o Daily Mail, The Boy in the Striped Pajamas - O rapaz do pijama às riscas, "One of the best films of 2008. Beautifully and sensitively directed.".

Nota: 7

best of Warhol

2009-02-01T19:20:00.003Z

Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor, Elvis Presley, Brigitte Bardot, Jane Fonda, Mick Jagger, Man Ray, Joseph Beuys, Keith Haring, Yves Saint-Laurent, Gianni Agnelli - a partir de 1962, Andy Warhol começou a construir o seu mundo de estrelas do cinema, da música, artistas, coleccionadores, políticos, costureiros, empresários. São esses retratos (mais de 250) que o Grand Palais justapõe agora, demonstrando a que ponto Warhol foi sistemático e, formalmente repetitivo neste seu inventário do star system da época. De 18 de Março a 13 de Julho no Grand Palais em Paris.

Louis Garrel

2009-02-01T18:50:00.003Z

Louis Garrel, filho e neto de homens do cinema francês, em entrevista ao Público/Ípsilon no Estoril Film Festival, que inaugurou esta edição com Dreamers - Os Sonhadores, de Bernardo Bertolucci, com Louis Garrel no papel principal. Nesta edição do Festival o jovem actor emergente teve também oportunidade de se apresentar enquanto realizador, exibindo a sua curta-metragem, Mes copains.

Destaco este excerto da referida entrevista:

Independentemente do seu pai, parece tentar constituir a sua família no cinema. Admira realizadores como Wes Anderson ou Arnaud Desplechin, cujo cinema se baseia numa noção de colectivo, de família electiva. Também procurou fazer isso na primeira curta que realizou, "Mes copains".
Sim, há uma espécie de família escolhida. Em relação ao meu filme, que é um pequeno filme, quase amador, senti que estava na altura de filmar o meu grupo de amigos, tendo em mente a ideia de que um dia seremos velhos e feios como acontece a toda gente - à excepção de algumas pessoas, nomeadamente mulheres, que são bastante poupadas pelo tempo. Os meus amigos detestam ouvir-me dizer isto, mas conhecemo-nos quando tínhamos 16 anos e acreditávamos que íamos triunfar onde os outros tinham fracassado. Um dia olhei para eles e dei-me conta que, no fundo, também estamos perdidos, o falhanço também pende sobre nós. E disse a mim mesmo que era preciso filmar esse estado. Eles detestam que diga isto, dizem: "Só temos 25 anos, não falhámos coisa nenhuma." Quando falo de suceder onde outros tinham falhado, isso tem a ver com aquela coisa de cada geração achar que vai ser melhor e fazer com que o mundo seja melhor. E um dia apercebi-me, ao olhar para eles, que se o mundo se tornar um lugar melhor não será graças a nós [risos]. Somos mais insignificantes do que julgávamos. Acho que essa ideia é bastante bela para filmar.

Siza 2009

2009-02-01T16:48:00.004Z

Álvaro Siza Vieira vai receber a Royal Gold Medal for Architecture 2009, atribuída pelo Royal Institute of British Architects, em nome da Rainha de Inglaterra. Este prémio de carreira remonta a meados do século XIX e, já galardoou arquitectos como, Frank Loyd Wright, Le Corbusier, Alvar Aalto, Niemeyer, Frank Gehry, Jean Nouvel, Rafael Moneo, Rem Koolhaas ou ainda, Herzog & de Meuron.

Por ocasião da distinção que ocorrerá a 26 de Fevereiro, o The Guardian entrevistou Siza. Vejamos alguns excertos da entrevista: "a arquitectura não deve nunca ser uma transformação arrogante da paisagem ou do espaço (...) O meu desejo é desde há muito tempo o de que os edifícios que construo tenham, de certa forma, estado sempre naquele lugar. Quero que sejam necessários, nunca forçados (...) Há demasiados edifícios hoje. A arquitectura tornou-se um negócio. Há cada vez mais pessoas que vivem de dizer aos arquitectos o que podem e o que não podem fazer (...) Confesso que a minha última experiência de verdadeiro prazer foi no Brasil - fui muito feliz a construir o museu Iberê Camargo."

Remata o The Guardian: "Siza é, simplesmente, um dos melhores arquitectos do mundo".

De notar que esta é a primeira vez que um português é homenageado com a Royal Gold Medal for Architecture.

der Wand

2009-01-31T18:43:00.003Z

Terminou hoje a exposição "Duas arquitecturas alemãs" que, visitou a Alfândega do Porto durante algumas semanas. Tive oportunidade ontem de a visitar. Apesar de ter gostado da referida exposição algumas situações e outras reflexões merecem algum comentário. Por um lado, de notar a fraca adesão (que pelo menos no momento que fui) à exposição, muito também por motivos de fraca divulgação da mesma; por outro lado, a total falta de organização no acesso à exposição, senão vejamos: dirijo-me ao Segurança de serviço da Alfândega, e revelo o meu interesse na visita às "Duas arquitectura alemãs", o qual me avisa para esperar num sofá que lá se encontrava (qual sala de espera de hospital público, sem lista de espera), permitindo assim que a recepcionista/vendedora de bilhetes descesse, podendo deste modo adquirir o bilhete da exposição. E, nisto, quando a mesma que entrega o "tiquê", deparo-me com uma "venda a dinheiro"/"talão de máquina registradora" como garantia de pagamento, logo de acesso à exposição.

Um espaço tão emblemático como o é a Alfândega do Porto, admitindo que, existam exposições no seu edifício, tem que saber receber os visitantes, muitos deles turistas. Portugal não se pode tornar somente, um país de silly season, devendo explorar outros aspectos potencialmente turísticos como um turismo urbano, de cidades. Temos que aprender que não devemos só receber bem nos restaurantes mas, também noutros espaços culturais, como p.e., em museus.

Ministério da Cultura

2009-01-31T17:46:00.003Z

Quando em Portugal alguns dispensam por completo o Ministério da Cultura, pretendendo outros a sua extinção, nos EUA mais de 220 mil cidadãos norte-americanos subscreveram uma petição para que Obama nomeie um Ministro da Cultura/Secretário das Artes.

Milk

2009-01-30T03:40:00.009Z

Curioso ou não, os últimos dois posts de cinema que escrevi, tinham como realizadores de destaque Gus Van Sant e Sean Penn. Em Milk, encontramos de novo Gus Van Sant derrière la caméra, e Sean Penn no papel principal.

Milk retrata-nos biograficamente a vida de Harvery Milk, interpretado por Sean Penn, o primeiro homem assumidamente homossexual a ser eleito para um cargo público e político nos Estados Unidos da América. Até aqui poderíamos deduzir que se trataria de um vídeo (eventualmente) disponível no canal de História, no entanto, o notável desempenho e interpretação de Sean Penn enriquecem toda a longa-metragem. Alguém que não conheça sequer a vida de activista, político, lutador e defensor dos Direitos Humanos, de Harvery Milk, ao ver o filme conclui que a sua garra, a sua convicção, a sua luta, o seu inconformismo, o seu "movimento" (como costumava chamar), a sua "esperança" (palavra que recorrentemente costumava usar nos seus discursos), mudaram a história de muitos, mudaram a vida de muitos.

Além dos aspectos de representação, tão bem conseguidos ao longo de todo o filme, há outros que merecem igual destaque. De notar a brilhante caracterização e a quase auto-representação de todos os personagens. As semelhanças com as pessoas reais que representam são impressionantes. E, a merecer um enorme louvor, a sublime realização de Gus Van Sant: a interposição entre o tempo real de realização do filme e, as imagens e vídeos da época são uma técnica recorrente ao longo da película; a analepse de todo o filme, quase que autobiográfico de um narrador (Harvery Milk - Sean Penn) que presente o seu assassinato; a inteligente introdução de uma ópera de Verdi como indício trágico que antecede o brutal assassinato de Milk, por Dan White, qual obra catastrófica da literatura teatral de Garrett.

Um filme que cria no espectador atento uma atitude céptica sobre a sociedade e, em particular sobre a sociedade americana. Foi à 30 anos que morreu Milk, a lutar por aquilo em que acreditava.

Nota: 10

(Sabendo que Milk está nomeado em 8 categorias pela Academia, quanto às pricipais, Sean Penn, é claramente merecedor do Óscar de Melhor Actor (Principal)).

14 = PARIS (2)

2009-01-29T01:01:00.002Z

14 = PARIS

2009-01-29T00:51:00.003Z

Drugstore Cowboy

2009-01-28T21:39:00.005Z

De Gus Van Sant, Drugstore Cowboy - No trilho da droga, relata-nos de forma surpreendente o mundo da toxicodependência. Uma película pré-90s vencedora do prémio CICAE - fórum novo cinema do Festival de Cinema de Berlim. Inicia a longa-metragem com um "bando de marginais toxicodependentes", liderádos por Bob, personificado por Matt Dillon. Estes, sustentam o seu vício assaltando farmácias em Portland, Oregon. Muito ao estilo de Gus (nomeadamente nos recentes filmes Elephant e Paranoid Park), a vida monótona e quase banal destes personagens é retratada aqui, sem comentários ou "discursos de igreja".

Até aqui, tudo nos poderia levar a concluir que seria mais um filme sobre "drogados". Contudo, Gus surpreende-nos. Com a morte por overdose de um dos membros do gang, Bob tem que retirar clandestinamente o corpo de um hotel, enterrando-o no bosque. E, nisto decide mudar de vida.

Num centro de desintoxicação reencontra um amigo de longa data. Um padre toxicodependente (William Burroughs). De admitir que, a película de Gus atinge o seu auge quando assistimos aos diálogos entre os dois personagens, os quais metaforizam o seu último aceno a um mundo que acabam de deixar. As conversas finais entre Burroughs e Dillon são sublimes.

De realçar as exelentes interpretações de Matt Dillon e Kelly Lynch (Dianne), enquanto "o casal do bando".

Nota: 7

O lado selvagem

2009-01-26T23:44:00.006Z

Em vésperas da estreia de Milk, com Sean Penn no principal papel e, numa merecida fermare no estudo de Direito Processual Penal I, decidi ver na "minha MEO": Into the wild - O lado selvagem, uma fantástica longa-metragem de Sean Penn.

O filme conta a história de vida de um rapaz, Christopher Johnson McCandless (Emile Hirsch) que decide começar a sua vida do zero. Sem nada, do início. A sua história de vida até ali, digamos que fora, comum. Um bom filho, um brilhante aluno que, ao licenciar-se decide abandonar tudo. Acompanhado da sua mochila e dos seus livros segue para Norte, tendo como meta o Alasca. Ao longo de toda a sua viaggio, vive experiências únicas, conhece pessoas muito tipícas da actual sociedade americana (desde ex-combatentes de guerra, a hippies fora de tempo), enfim, viaja de Los Angeles ao México, terminando no Alasca.

Perguntamo-nos, porquê tal atitude, quando tudo tinha?! Christopher ou Alex (nome que passa a adoptar) sentia que estava a viver uma mentira social, tentando sempre fugir ao habitual de um jovem de vinte e poucos anos. Vivera sempre no seio de uma família, a sua, que aparentemente representava o american dream, quando na verdade a podridão, o adultério, ou a violência doméstica eram realidades sempre presentes.

Notas importantes sobre o filme: primeiro, a forma como Sean Penn capituliza a viagem do rapaz é no mínimo interessante (Capítulo 1, Infância; Capítulo 2, Adolescência; Capítulo 3, Idade Adulta; Capítulo 4, Família; Capítulo 5, Alcançar a Sabedoria); segundo, a assombrosa banda sonora de Eddie Vedder é de tal forma significativa que toda a narrativa ganha mais emoção; terceiro, todo o desenrolar de imagens ao longo da película é significativo do quão heterogénea é a América, desde o McDonalds, ao Grand Canyon, etc.

Em suma, assistimos à história verídica de um ser humano que vivia segundo o príncio de que, se admitir-mos que a vida humana é regida pela lógica, então a mesma seria destruída de per si.

Nota: 9

LUX

2009-01-26T19:34:00.003Z

A discoteca Lux, em Lisboa vai receber entre Fevereiro e Março do presente ano a dupla alemã AutoKratz, o colectivo sueco I'm From Barcelona e os londrinos Radioclit. Ide!

Defiance

2009-01-26T02:01:00.006Z

Sem grande entusiasmo e com algum cansaço pelo meio, fui à pouco ao cinema. Desta vez a escolha do filme até nem demorou muito.

Fui ver Defiance - Os Resistentes. Um filme concerteza sem o aparato (algo "hollywoodesco"), nem a publicidade de Australia, mas que contrariamente a este último vale mesmo a pena ver. Uma fantástica película de Edward Zwick, que nos conta a vida de um grupo de resistentes judeus que fugiram às SS e a Hitler durante a ocupação nazi na Bielorússia. Três aspectos a destacar: primeiro, a exelente representação de Daniel Craig; actor que desde o seu papel em Munique nada de significativo tinha até então feito; segundo, este é (mais) um filme sobre a Segunda Guerra Mundial, os nazis, Hitler, enfim, no entanto, surge com um argumento inovador/original, sendo toda a narrativa baseada em factos reais, não se limitando aos clássicos clichets e lugares comuns sobre a temática; terceiro, a interessante analogia moderna que a narrativa pretende proporcionar com exertos da Bíblia, torna-se também um interessante exercício que Edward Zwick nos brinda ao longo de quase 150 minutos de cinema.

Nota: 7

(Sempre que comentar um filme aqui na boulevard.246 avaliarei o mesmo com um valor que variará entre 1 e 10 pontos. Esta terá em conta o desempenho dos actores e atrizes , aspectos de realização, tratamento da narrativa, argumento, entre outros aspectos).

Premier virage

2009-01-26T01:28:00.001Z

Vindo do cinema e, a meio de uma época de exames bastante "intensa", decidi criar um blog; como que uma tentativa de échapper à la routine.