Cannes 2009 (3)

"Pedro Costa, João Pedro Rodrigues, João Salaviza, João Nicolau, Mónica Baptista estão de partida para o Festival de Cannes. Levam na bagagem uma actriz/cantora francesa, um travesti, uma chave mágica, um detido em prisão domiciliária e o Expresso do Oriente."

in Público

Cannes 2009 (2)

"Afinal há quatro portugueses em Cannes: além de João Pedro Rodrigues, que mostra o novo Morrer como um Homem na secção Un Certain Regard, de Pedro Costa, que estreia Ne Change Rien, o documentário sobre Jeanne Balibar, e de João Nicolau, que participa na Quinzena dos Realizadores com a curta Canção de Amor e Saúde, também Mónica Baptista faz parte da selecção da 62ª edição do festival.
Documentário de onze minutos sobre o Transiberiano, Territórios atravessa a Rússia num vagão de terceira classe em que viajam, lado a lado, um soldado russo e um checheno. Mónica Baptista usa esse vagão como maquete do complexo puzzle político russo, sempre à beira da desagregação, e acompanha os dois viajantes numa travessia a um tempo geográfica e histórica.
Territórios tem produção de Rodrigo Areias (Periferia Filmes/Associação Cinematográfica Olho de Vidro), que também estará em Cannes. Foi o português escolhido pelo Instituto do Cinema e do Audiovisual para participar na plataforma Producers on the Move, onde espera encontrar financiamento para dois filmes de Edgar Pêra e para o seu projecto de realização de um western português dividido em três partes."

in Público.

Cannes 2009

"Na próxima edição de Cannes, João Pedro Rodrigues participa com Morrer como um Homem na secção Un Certain Regard, Pedro Costa e João Nicolau estão na Quinzena dos Realizadores - com, respectivamente, Ne Change Rien, documentário sobre a actriz e cantora francesa Jeanne Balibar, e a curta Canção de Amor e Saúde. Há uma parte do próximo Festival de Cannes que fala português.
Mas vamos ganhar distância: há sobretudo muitos europeus e muitos asiáticos a competir na 62ª edição do festival, que decorre de 13 a 24 de Maio: Pedro Almodóvar (Los Abrazos Rotos), Michael Haneke (Das Weisse Band), Ken Loach (Looking for Eric), Gaspar Noé (Enter the Void, um filme de terror que tem algumas hipóteses de estar à altura do "caso" que foi outro filme do realizador, Irreversível), Park Chan-wook (Thirst), Alain Resnais (Les Herbes Folles), Elia Suleiman (The Time that Remains), Johnnie To (Vengeance), Tsai Ming-liang (Visage) e Lars von Trier (Antichrist).Num ano em que Cannes olha para o oriente - o próximo e o extremo, se tivermos em atenção que a neozelandesa Jane Campion, com Bright Star, e o filipino Brillante Mendoza, com Kinatay, também entram nestas contas -, a América tem uma participação menos volumosa, mas não necessariamente secundária, na competição principal. Cannes queria ter, e teve, o novo de Quentin Tarantino (Palma de Ouro em 1994 com Pulp Fiction), Inglorius Basterds, e o novo de Ang Lee, Taking Woodstock. E, já fora de competição, há Drag me to Hell, de Sam Raimi - sessão à meia-noite, tal como previa a Variety, que acertou em quase tudo menos em Tetro, de Francis Ford Coppola, e Bad Lieutenant, de Werner Herzog. Nenhum dos dois consta do programa hoje anunciado em conferência de imprensa. Nova animação da Pixar na abertura. O festival abre com Up, a nova animação da Pixar, e fecha com o duplo Biopic, Coco Chanel & Igor Stravinsky, de Jan Kounen. Ainda em competição, ombro a ombro com Almodóvar, Tarantino e Resnais, estarão a americana Andrea Arnold, com Fish Tank, o francês Jacques Audiard, com Un Prophète, e Xavier Giannoli, com À l'Origine, o italiano Marco Bellocchio, com Vincere, a catalã Isabel Coixet, com Map of the Sounds of Tokyo, e o chinês Lou Ye, com Spring Fever. Na secção Un Certain Regard, Cannes continua a olhar para Oriente - "A nova geração de cineastas do Leste e do Extremo Oriente não tem forma, leis ou tradições para obedecer (...). Nunca tem falta de ideias visuais", escreveu o director Thierry Fremaux no programa desta edição. Há filmes do sul-coreano Bong Joon-ho, do iraniano Bagman Ghobadi, dos romenos Hanno Höfer, Razvan Marculescu, Cristina Mungiu, Constantin Popescu, Ioana Uricaru e Corneliu Porumboiu, dos russos Nikolay Khomeriki e Pavel Lounguine, do japonês Hirozaku Kore-Eda, do tailandês Pen-Ek Ratanaruang e do israelita Haim Tabakman, entre outros. Fora de competição, mas ainda dentro do ranking das novidades mais aguardadas da próxima edição: Alejandro Amenábar (Agora), Terry Gilliam (The Imaginarium of Doctor Parnassus), Robert Guédiguian (L'Armée du Crime) e Michel Gondry (L'Épine dans le Coeur)."

in Público.

Singularidades de uma rapariga loura

Tive há pouco oportunidade de ver em Serralves a ante-estreia da mais recente longa-metragem do cineasta centenário Manoel de Oliveira: Singularidades de uma rapariga loura.

Como já o afirmei em anteriores crónicas, não sou nem conhecedor nato, nem apreciador crítico da obra do realizador português. No entanto, não deixo de reconhecer a capacidade criadora que teve e continua a ter ao filmar à sua maneira, muito própria, sendo ao mesmo tempo um aspecto distintivo e caracterizador do seu cinema.

O filme, como aliás é sabido, é inspirado, sendo similarmente uma adaptação do conto de Eça de Queirós, também ele com o mesmo nome. Se por um lado, entendo que Oliveira é um pouco como o whisky (não querendo ser grosseiro como a comparação), ou seja, não se gosta à primeira, vai-se apreendendo a gostar com alguma maturidade, por outro lado, qualquer um que admire a escrita de Eça acaba por gostar deste filme.

A narrativa é densa, descritiva, e, ao mesmo tempo simples, e irónica. É nos contada a história de Macário (Ricardo Trêpa) e do seu desejo e amor por Luísa (Catarina Wallenstein), a rapariga loura. Uma relação cheia de contratempos e por princípio podre, não por defeito ou culpa das circunstâncias, mas pela própria natureza do Homem.

Planos simples, crus e mais do que tudo, repetitivos abundam ao longo da película. Diálogos e discursos fora de tempo, espaços museológicos e personagens do mais teatral que há, quase a roçar a uma encenação próxima de Bresson. Oliveira filma uma Lisboa estática, de rotinas (e colinas), de hábitos: sempre do mesmo modo, de dia e de noite, sempre a mesma imagem, sempre a mesma Lisboa. Fá-lo para tornar o conto de Eça mais convincente, afinal, o próprio afirmava a comum e intemporal natureza do Homem português (burguês), sempre com os mesmos vícios p.e.; bem como, para acompanhar a própria vida literária do personagem principal, Macário, afinal mais uma vez, por mais voltas e mudanças que tentasse dar e ter, acabou por voltar ao mesmo sítio como no início da obra: solteiro e bom rapaz. É apaixonante ver Eça no ecrã.

Ainda a notar, Oliveira foi mestre nisto: acabou com o tempo entre Eça e os nossos dias. Por vezes cria-se no espectador uma certa confusão temporal na medida em que, os aspectos de natureza formal (objectos, notas, ruas, enfim) são contemporâneos, e os aspectos de natureza material (os discursos, o tratamento social, entre outros) são oitocentistas.

Em suma: Manoel de Oliveira além de manter uma realização oliveirista (como já o referi), recorre como sempre à temática dos valores sociais e morais, interpretando o papel de um cineasta pedagogo; mais, a imagem que faz cartaz ao filme é forte e provocadora, não sendo nada mais do que o desespero humano na recorrente e mais uma vez intemporal ausência de valores sociais.

Nota: 3, bom.

Capitães de Abril

Depois do frenesim de mais umas comemorações do 25 de Abril, e a propósito dos 35 anos ou 33 anos de democracia em Portugal (também aqui a doutrina diverge, opto pela menor data), vi ontem o filme Capitães de Abril, realizado por Maria de Medeiros.

A narrativa do filme é a história dos dias 24 e 25 de Abril de 1974 no nosso país. É comum que em qualquer data ou acontecimento histórico com alguma importância para o curso da vida de um qualquer país, se percam as pessoas e apenas se recordem os factos, se esqueçam os homens e as mulheres para que os dados históricos prevaleçam na memória (colectiva) de uma nação. Posto isto, infelizmente ou não, a Revolução que pôs fim ao Estado Novo e à ditadura, não fugiu à regra. E, nisso, Maria de Medeiros foi mestra dando alguma vida humana, alguma personalidade e personalismo individual ao 25 de Abril: existiam pessoas, que tinham as suas vidas, ao mesmo tempo tão distantes e tão próximas entre si.

Gostei do filme. Não só pelos aspectos técnicos e de realização (que abordarei à frente), mas sobretudo pelo retrato do acontecimento em si do 25 de Abril. Podemos não gostar do que se seguiu. Pessoalmente repugno, afinal iríamos voltar a mais do mesmo (PREC). Contudo, qualquer um que tenha em si um espírito de mudança e de valores tão nobres como a liberdade e a democracia, não pode não gostar do 25 de Abril. Ainda assim, admito tal como o Miguel Sousa Tavares que, a euforia anual do 25 de Abril e as suas comemorações qualquer dia desvalorizam o próprio acontecimento histórico em si. Com isto, não menosprezo de todo a data mas, não admito que ainda haja alguma esquerda que advogue que o 25 de Abril é sua propriedade privada (aliás, seria algo irónico já que são contra a própria propriedade privada).

Voltando ao filme: é interessante perceber o dilema que na altura alguns oficiais militares e outros viviam, entre uma formal obediência hierárquica e um dever moral de consciência; entre serem aplaudidos como heróis ou vaiados como assassinos de guerra. Este é outro dos aspectos que Maria de Medeiros também aborda diversas vezes ao longo da película, e bem.

Por um lado, de notar a sublime interpretação de Stefano Accorsi, no papel de Salgueiro Maia e, por outro lado, a fantástica caracterização dos personagens e dos espaços tão "típicos" e próprios da época, mostrando também como a capital "do império", Lisboa, também tinha os seus "q" de ruralidade e atraso, portanto imaginemos o resto da "paisagem lusa"...

Merece também referência a belíssima imagem que Medeiros recorrentemente se serve: a entrada dos tanques e outros veículos militares numa Lisboa deserta de gente.

Capitães de Abril foi vencedor do prémio do público do Festival de Arcachon, além de ter ganho na qualidade de melhor filme a Mostra Internacional de São Paulo em 2000.

Nota: 3, bom.

A passagem da noite

A noite de ontem foi no mínimo nacional. Dois filmes portugueses num verdadeiro serão de mantas axadrezadas e ar condicionado a 31º!

A Passagem da noite, de Luís Filipe Rocha é a realização cinematográfica daquilo a que se pode chamar um exemplo académico ou case study de Direito com uma infeliz possibilidade prática e factual.

A película conta-nos a história de Mariana, uma jovem de 17 anos que, depois de vir do enterro de um amigo, também ele de 17 anos, acaba sendo violada numa barraca da praia de Carcavelos. Dessa violação, Mariana fica grávida, escondendo de todos esse facto, querendo por tudo acabar com esse estado (de graça), não contando nada aos pais nem à polícia.

Contrariamente àquilo que se resolve numa Faculdade de Direito: a estrita solução jurídica do problema, em que a especial atenção é dada ao agente criminoso e não à vítima, Luís Filipe Rocha (apesar de licenciado em Direito) inverte os sujeitos.

O filme é bom e, por ter um argumento consistente e provocador é-lhe exigido mais, portanto, infelizmente mal aproveitado.

É a realização das desigualdades sociais, da pobreza, da prostituição, da exclusão social, enfim, da droga e que nos vai colocando difíceis questões (quase de consciência individual): se é preferível uma vida de miserável ou a morte; a eterna máxima de Platão "aquele que faz a injustiça é mais infeliz que aquele que a sofre"; a vergonha familiar ou um silêncio suturno; a culpa, (mais uma vez).

Por abordar questões como as acima referidas Luís Filipe Rocha podia ter ido mais longe, não se cinjindo à mera constatação real das mesmas.

Alguns aspectos importantes e que por vezes passam despercebidos durante o filme: primeiro, tal como o amigo de 17 anos que morrera, Mariana morre para a inocência, morre para a adolescência, vendo-se obrigada a encarar de forma muito crua a vida agora de adulta; a promiscuidade entre a Polícia Judiciária e algumas enfermeiras aborteiras não deixa de ser um ponto a reflectir.

Este é um realizador que torna a narrativa extremamente dependente dos espaços físicos (muito bem caracterizados por sinal): por um lado, os primeiros minutos da longa-metragem (em que Rocha filma o bairro em que vive a personagem de Leonor Seixas) além de serem reveladores dos "guetos" que a actual sociedade cria, das condições urbanísticas e humanas que lá se vivem, entre outros, assinalam a maior propensão social daquelas pessoas a fenómenos como a prostituição ou a drogra, p.e.,; por outro lado, a repetição exaustiva do túnel da praia da Carcavelos (local do primeiro encontro entre Mariana e o Gadelhas) torna-se o espaço físico por exelência de todo o filme.

Nota: 3, bom.

A corte do norte

Vezes há em que vou duas vezes por semana ao cinema (um número razoável), outras como hoje em que vou duas vezes no mesmo dia. No mínimo excêntrico.

No âmbito do "Ano Agustina", coincidente com o 55º aniversário da publicação d'A Síbila, Serralves exibiu hoje, em estreia, no seu grande auditório A corte do norte, a mais recente longa-metragem do realizador português João Botelho; uma película adaptada da obra de Agustina Bessa-Luís.

Com uma sala repleta de grandes nomes das artes, como Ângelo de Sousa ou Manoel de Oliveira, e, outras tantas "sumidades" e/ou intelectualidades, umas em negro integral, quais verdadeiros críticos de arte, outras em pop kitsch, como Ricardo Trêpa numa variante I love moNeY, Inês Pedrosa do Instituto Camões, autora de Fazes-me falta, discursou na qualidade de promotora/organizadora da exposição "Agustina Bessa-Luís - Vida e Obra", tecendo os maiores elogios ao génio literário da escritora, seguindo-se João Botelho, o qual elogiou bastante o seu mestre Oliveira criticando por outro lado, Pinto Ribeiro (MC), pela apatia cultural para com a cultura e para com os artistas portugueses.

Sobre o filme: parecia uma reprodução manoelista. Ninguém diria portanto que, João Botelho realizara Corrupção em 2007, ou ainda, A mulher que acreditava ser Presidente dos Estados Unidos da América em 2003. É quase uma analepse temporal do ponto de vista artístico, sabendo que o cineasta realizara a obra Quem és tu? em 2001, filme adaptado da obra Frei Luís de Sousa de Almeida Garrett.

Em A corte do norte, assistimos a uma realização dos pormenores (afinal como o próprio realizador afirmou hoje, "quando não há dinheiro para filmar uma carroça, então que se filme bem a roda"), uma realização das sombras e de um certo jogo de luzes. Tal como em Manoel de Oliveira a interpretação dos actores do filme confunde-se, por ser igual, à interpretação dos actores em teatro, qual representação oitocentista onde se troca o vulgar e informal diálogo, pela formalização/rigidez do diálogo em prosa.

Acerca da narrativa: a história de uma família, os Barros, uma família burguesa-aristocrata do Funchal. Uma família mitificada por Emília de Sousa, ou Rosalina de Sousa, ou a baronesa da Madalena do Mar, uma família marcada, e, de um certo modo com uma triste sina graças àquela mulher. Ana Moreira (actriz principal) tem com esta obra, uma boa estreia na interpretação cinéfila, interpretando várias mulheres, em vários tempos, sempre no Funchal, e que terminam todas, sem excepção, n'A corte do norte. Várias mulheres que mais parecem uma só, enfim, uma mulher intemporal sempre inadaptada ao seu tempo, bem como, às convenções sociais que o acompanham e caracterizam.

Em suma, se há quem coloque ou identifique um género ou corrente literária para Agustina Bessa-Luís, admito que se torne algo redutor: Agustina tem por um lado, o dom em cantar um Portugal, tal como Camões ou Pessoa; tem o dom de criar uma situação enjoativamente ultra-romântica, tal como Garrett (nalgumas obras pelo menos); e, por outro lado, o dom da análise, observação e crítica social, tal como Eça. Não entendo que haja portanto uma "gaveta" onde poderá ser, (por motivos de simplificação para alguns), encaixada.

Não sou de todo, grande apreciador ou admirador deste género de realização e forma de interpretação, não deixando no entanto de reconhecer uma certa qualidade do filme, daí a nota abaixo indicada.

Nota: 7

Ganhar a Vida

Ganhar a Vida, do realizador João Canijo tem à primeira vista um argumento pobre, banal, comum, enfim mais do mesmo. E, no limite, assim o é. Contudo o discípulo de Manoel de Oliveira, como quem trabalhou no início dos anos oitenta, e/ou de Wim Wenders, adapta-o de forma brilhante.

A longa-metragem do realizador português conta-nos a história pobre, banal, comum, enfim mais do mesmo, de uma mulher que perde o seu filho. Cidália Ribeiro, interpretada de forma sublime por Rita Blanco é uma mulher emigrante portuguesa que vive na periferia de Paris, em Villeneuve de Saint Georges. Cidália, uma empregada de limpezas, vivendo em difíceis condições económicas, vive a trabalhar na esperança de uma melhor vida, com o objectivo de um dia voltar para Portugal. Até aqui, a história é de uma mulher pobre, banal, comum, enfim mais do mesmo; contudo, um dia o seu filho mais velho, Álvaro, é brutalmente assassinado pela Polícia. A partir daqui, toda a vida de Cidália se vai degradando. A viver no seio da comunidade emigrante nacional nos arredores de Paris, Cidália não aceita as evidências do facto, revoltando-se, tentando agir contra a polícia, enfim, tentando superar a morte do seu filho. O argumento é isto, somente isto. É com tudo o resto, especialmente com o desempenho de Rita Blanco que, João Canijo faz deste filme, um excelente exemplo da boa produção de cinema português.

O retrato que faz dos emigrantes portugueses revela-nos uma comunidade fechada, envergonhada, com medo, pouco unida, "guetizada", com enormíssimos problemas sociais e de integração na sociedade, no caso a francesa. É assustador pensar-se que o maior inimigo de Cidália fora a sua própria comunidade, ao ponto de lhe destruírem e queimarem a casa, apenas por confrontar a Polícia com respostas, com a verdade.

Com uma realização intencionalmente (quase) amadora/primária, Ganhar a Vida, vence pelo simbolismo: a tentativa da comunidade de emigrantes em recriar um ambiente que lhes seja familiar (português, portanto) é sinónimo de Fátima, Futebol (SLB), Fado, (bacalhau, ranchos folclóricos, Goucha, Romana, Anjos ou Ágata). Os ambientes propositadamente escurecidos e humildes, onde abundam Santas e flores de plástico, servem de palco a problemas familiares de total desestruturação do agregado, onde a violência doméstica convive ("desde que não vá para o hospital") com uma religiosidade cega, bem como, com a delinquência juvenil.

Uma obra neo-realista produzida por Paulo Branco, que versa sobre pessoas sem terra, sem identidade, sobre uma comunidade em que o silêncio é a regra, numa tentativa de quase auto-suficiência.

De notar por fim que, Ganhar a Vida, de João Canijo fez parte da Selecção Oficial do Festival de Cannes em 2001.

Nota: 9

Oliveira

Apesar de não ser grande entusiasta, nem um conhecedor exaustivo da obra de Manoel de Oliveira, facto é que, o seu recente filme Singularidades de uma rapariga loura, com Catarina Wallenstein interpretando a personagem do génio Eça, terá estreia mundial hoje, dia 10, em Berlim, no Festival Internacional de Cinema que decorre na cidade.

A par da apresentação mundial da longa-metragem (apesar de ter pouco mais de uma hora), o realizador português com um século de vida, será homenageado com o prémio especial Berlinale Kamera pelo conjunto da sua carreira.
Com uma obra de qualidade duvidosa dizem uns, ou, com uma obra única e genial do cinema português dizem outros, o Sr. tendo ou não qualidade, pelo menos reconhecimento internacional não lhe falta.