The Wrestler

Depois de ter ficado em falta (por não ter visto e já não estarem nas salas de cinema) com Frost/Nixon, Rachel Getting Married e The Visitor, decidi ver hoje The Wrestler - O Lutador, do realizador Darren Aronofsky.

Brainstorming superficial sobre a película: achei um filme que se possa dizer "mediano"; o protagonista tem uma interpretação sublime; a narrativa em si, isto é, o argumento propriamente dito, não me encantou.

The Wrestler conta a história de Ron ou Randy Robinson, The Ram, um lutador caído em desgraça que, vinte anos antes, nos 80s, fora cartaz de muitos combates, alcançando a fama e o dinheiro. Hoje, vive sozinho numa roulote (ou no seu carro), com problemas de sustento económico, além de não ter família, Randy é a autêntica "diva esquecida". Depois de um combate, vem a ter um enfarte, alertando-lhe o médico de que teria que deixar o wrestling, pois poderia morrer. Enfim, as situações secundárias da narrativa como, a relação díficil que mantém com a filha Stephanie (Evan Rachel Wood), ou ainda, a (única) amizade que tem com Pam ou Cassidy (numa óptima interpretação de Marisa Tomei), vão surgindo entre lutas, lutas e mais lutas.

O maior valor acrescentado da longa-metragem é sem dúvida Mickey Rourke. Tem uma interpretação genuinamente fantástica. É o homem esquecido, abandonado (talvez até por si, dado o seu percurso de vida), ferido, que é mais esteróides que "cabeça", mas que não deixa de ter emoção, sentimentos, coração. Como (quase) repetidamente foi dito depois de ter ganho o Golden Globe e o BAFTA, o filme retrata a vida de um lutador, sendo que, é de tal forma semelhante à vida profissional e artística de Rourke (afinal este optando por se dedicar ao Boxe, abandonou (em parte) o cinema no final dos anos oitenta, passando a ficar apenas com fitas menores) que, mais parecem confundir-se o personagem com o actor. Discordo em parte: Randy começa e acaba no filme da mesma forma; Rourke "ressuscita dos anos 80" não para a fama, mas para o reconhecimento do público e da crítica. Com uma caracterização física extremamente adequada ao seu "eu" e aos espaços em que se vai movimentando, Rourke é ainda "filho" de uma geração onde os plásticos, os brilhos e as brilhantinas, o mundo do show-off e das luzes, das quedas e ribaltas esporádicas, do heavy metal, das licras e cabedais justos, enfim, de uma geração que não reconhece a contemporâniedade do mundo actual (não se revendo nele) e que se sente uma "mera carne velha e esquecida", como chega a caracterizar-se a si mesmo. Rourke, ri, chora, sofre, luta, tem sexo num WC público, droga-se, enfim. É o actor certo para o concreto papel.

É ainda de referir a interessante analogia que se vai fazendo entre os personagens de Mickey Rourke e Marisa Tomei: tal como ele, ela é uma stripper "fora de prazo", gasta, e com uma enorme dificuldade nas relações humanas.

Acerca dos aspectos de realização, de notar que Aronofsky usa e abusa da câmara ao ombro, quase prototipando uma espécie de filmagem em documentário, adoptando uma visão neo-realista, fria, sem floreados ou efeitos especiais, crua e acima de tudo, tão humana sobre tudo, de todos os pormenores, (até mesmo dos aparentemente mais insignificantes); durante toda a narrativa, o realizador vai seguindo os personagens por trás, num verdadeiro plano de intimidade, proximidade e transparência.

Os espaços conseguem uma relação quase umbilical com a trama, a boate onde Cassidy se despe e que Randy frequenta é também ela um último resquício dos 80s.

Nota: 7

Man on wire

Já há alguém tempo que estava para ir ver um qualquer filme ao Teatro do Campo Alegre. Fui hoje, acompanhado de uma sala literalmente vazia. Diz certa crítica que, contrariamente aos restaurantes, quando uma sala de cinema está vazia ou quase vazia, significa que o filme é bom. Enfim, um mero barómetro (ainda) sem comprovação empírica.

Decidi ir à estreia (não do filme mas, do filme no Porto) do documentário vencedor de Oscar, na respectiva categoria este ano.

Man on wire - Homem no arame do realizador James Marsh, cria no espectador uma miscelância de sensações que, no limite quase se opõem.

O documentário expõe o nascimento, a preparação e a concretização do sonho de Philippe Petit: instalar um arame entre as torres do World Trade Center e, passar sem qualquer tipo de segurança de uma para a outra. Por um lado, retrata o surgimento de tal ideia que para o homem comum é absolutamente irreal e absurda, e, por outro lado, vai expondo importantes momentos da vida de Petit: desde passar as torres da Cathédrale Notre Dame de Paris, também por um arame suspenso, à repetição do mesmo "espectáculo", agora em Sidney.

Mesmo depois de ver Man on wire e, saber que se trata de um documentário, continuo a ter sérias dificuldades em acreditar como foi possível um ser humano ter feito aquilo. É extasiantemente utópico, e inumano tudo aquilo.

Deve notar-se também que, o impacto que o filme tem deve-se em muito à repetição excessiva de imagens das "Torres Gémeas", e daí o seu maior valor acrescentado. Mesmo sem haver qualquer tipo de referência aos ataques terroristas de 11 de Setembro de 2001, é assunto que constantemente nos surge na memória, afinal, para certas gerações elas eram como que o ícone máximo do Ocidente, enquanto espaço de liberdade e democracia, elas eram o mundo dito civilizado num duo de edifícios.

Mais, Marsh implicitamente relaciona certa parte da vida de Petit com a construção do WTC, como que um crescimento acompanhado e mútuo.

Há um aspecto que o documentário (no seu final) insiste repetindo por diversas vezes, porquê tudo aquilo? Porquê aquele arriscar da sua própria vida? No fundo, é algo que serve como que voz do mundo inteiro, não havendo qualquer resposta de Philippe Petit aos seus quase "admiradores(as)". Concerteza nem ele a teria.

Confesso que não sou um devoto de filmes em documentário em sentido estrito, isto é, de documentários de per si, no entanto e, mesmo sabendo que toda a película fora realizada em estúdio, o trabalho de James Marsh tem um resultado positivo. Cria para o espaço da narração, aquilo a que se designa por backstage de um estúdio: os narradores são Philippe Petit e a equipa de pessoas que o ajudou à feitura do "crime artístico do século", tendo como "cenários" p.e. material de realização e/ou produção de cinema. O momento da narração, feita em discurso directo, acompanha todo o tempo em que esta vai descrevendo o tempo da acção. Este último, muitas vezes em noir, é um exemplo de uma realização de estúdio que mais parece uma filmagem pouco cuidada da época, designadamente o Verão de 1974, facto claramente propositado; ou ainda, uma mostragem de assombrosas fotografias a preto e branco que nos mostram o francês aparentemente suspenso no ar.

Um retrato das liberdades levadas literalmente ao limite, no caso personificadas por Philippe Petit, muitos próprias e características da geração de 70.

Nota: 7

Vicky Cristina Barcelona

Um dia complicado o de hoje: depois de mais uma reunião de ERASMUS na faculdade, lá fui, obrigado por certas "administrativices", à loja do cidadão tratar de coisas muito chatas. E não é que me deparo com 3 horas e muitas de fila de espera?! Medo. Ainda tentei ler a Courrier Internacional mas de nada adiantou o tédio social dos serviços de Segurança Social. Tinha portanto que ocupar o meu tempo. Pois bem, passados meses da estreia de Vicky Cristina Barcelona, do mestre Woody Allen, e, prestes a sair da única sala de cinema do Porto onde ainda está a ser exibido, decidi ocupar de alguma forma o meu tempo de espera vendo a mais recente obra do cineasta nova-iorquino.

De notar que, muita gente me aconselhou a não ir ver, dizendo, "não vás é mau", "não é Woody Allen de forma alguma", "é uma seca", "a história é sempre a mesma", enfim, "aluga depois o filme em DVD". Depois disto, estranhamente a minha curiosidade só aumentou e digo, gostei muito do filme, (mais, só não o adorei porque não sou propriamente fã do realizador).

A película diz tudo com o título, no entanto, este também poderia ter sido, Vicky Juan Oviedo, Cristina Juan Maria Barcelona, Vicky Cristina Juan Barcelona, entre outros. A narrativa, também ela escrita por Woody Allen, conta-nos o Verão em Barcelona de duas amigas: Vicky (Rebecca Hall) e Cristina (Scarlett Johansson). A primeira, muito objectiva, racional, quase puritana; a segunda, o oposto, deveras sentimental, aventureira, muito temperamental. Numa galeria de arte catalã conhecem Juan Antonio (Javier Bardem), um pintor catalão com o típico "ar de artista", e aí começa o filme, e aí começa o seu Verão em Barcelona. Até ao fim do filme Woody vai criando peripécias umas atrás das outras, mais, vai criando personagens como há muito não apereciam nos seus filmes. Com Vicky Cristina Barcelona, o realizador consegue retratar toda a sociedade em apenas 90 e poucos minutos. Sempre à volta do amor, das relações pessoais, de uma constante procura de um sentido para a vida acompanhada pela razão e pela emoção, sendo que sobre estas últimas vai mais longe, personificando-as em Vicky e Cristina.

Por um lado, assume uma posição céptica, por vezes quase crítica perante a sociedade convencional de hoje, isto é, perante uma sociedade que quase obriga, sob pena de rejeição social p.e., a que cada um dos seus membros siga "à risca" o convencionalmente aceite como "natural". Por outro lado, parece-nos que faz um pouco a apologia do boémio, do artístico, do amor simultâneamente "sexual-animalesco" com a perfeição intelectual da relação, não deixando de o criticar também. Coloca-nos a exentricidade sexual e artística num lado, e o programado, o materialista e socialmente pré-definido noutro lado.

Com uma avalanche de sentimentos e cores quentes, Woody Allen nem parece um americano a realizar em Barcelona. Consegue com precisão, muito requinte, cosmopolitismo, um humor muito refinado e uma ironia muito própria, filmar a cidade catalã sem parecer um qualquer espólio fotográfico de um guia American Express.

Penélope Cruz está genuinamente bem ao interpretar Maria Elena, foi portanto merecidíssimo o Oscar que recebeu na categoria de Melhor Actriz Secundária. Scarlett tem a melhor prestação num filme do "seu realizador", mais, não parece a eterna "pão sem sal" que tantas vezes interpreta.

É ainda de referir que, a caracterização física de todos os personagens está tão intimamente ligada ao seu ser comportamental, facto que os torna ainda mais convincentes.

Finalmente, a confusão sentimental de todos os personagens encontra-se intimamente ligada à própria "confusão arquitectónica" de Gaudi ou ainda, à própria confusão do Homem de hoje. Por isto, o filme parece-nos que acaba do mesmo modo como começou: afinal, o Homem não muda em menos de duas horas (tempo real do filme) ou num Verão em Barcelona(tempo da narrativa).

Nota: 9

Slumdog Millionaire

(Deveria ter sido ao contrário mas), depois dos Oscars, hoje fui ver Slumdog Millionaire - Quem quer ser bilionário?, longa-metragem vencedora este ano, do realizador de Trainspotting ou Sunshine, Danny Boyle.

O película é claramente Hollywood e, Bollywood do princípio ao fim dos 120 minutos do filme: tem uma história de amor; tem encontros e desencontros amorosos; tem pobreza e riqueza; tem show off; é uma "grande produção"; tem um irmão mau, e um irmão bom; tem bons e maus; e claro, tem um final feliz.

Ao lermos o anterior parágrafo parece que não gostei do filme, mais, que o achei um tanto piroso ou kitsch, mas não, ou pelo menos estritamente, não.

Com um argumento (de base: um amor aparentemente impossível durante 115 minutos de filme, mas com um final feliz e contente - últimos 5 minutos) nada inovador, Danny Boyle foi pelo contrário extremamente original na forma como o adaptou. Apesar de ser a temática mais recorrente e usada (quase gasta), ao longo da história do cinema, o realizador inovou tornando-o actual.

Por um lado, caracteriza sensorialmente (através da visão e por vezes do olfacto) a Índia, apontando gravíssimos problemas sociais, e outros culturais; problemas que numa Democracia como a Índia o são ainda menos admissíveis. Por outro lado, relaciona muitíssimo bem algumas ancestrais tradições/costumes culturais indianos com, exemplos e outros ícones do capitalismo contemporâneo (o programa de TV que dá nome ao filme, na versão portuguesa claro, é aliás exemplo disso) e, o modo como ambos os factores co-habitam e, se interligam actualmente no quotidiano social indiano.

De notar ainda, a forma (à grande produção!) como Boyle consegue no mesmo filme contar uma mesma história de vida em três tempos diferentes.

Um retrato singular de uma cultura, feito através de um personagem com origens num bairro de lata, acompanhado de uma fenomenal banda sonora de A. R. Rahman.

Em suma, e, apesar de compreender o porquê de ter sido Slumdog Millionaire o vencedor do Óscar para Melhor Filme, (afinal, como escrevi no início, este filme é tudo aquilo que a Academia gosta) The Reader e Milk também estariam definitivamente à altura de tal distinção.

Nota: 7

Doubt

Depois dos óptimos dias que passei em Itália, nada como voltar à rotina. (Comummente costumamos utilizar a palavra rotina, como que associada a um hábito ou a uma prática reiterada de certos comportamentos, com um sentido não positivo. No entanto, nem sempre assim o é: afinal as várias idas ao cinema são prova disso mesmo).

Com o sentido de aproveitar para ainda ver no grande ecrã alguns dos filmes premiados em diversas instâncias do cinema em 2009, decidi (apesar da "dúvida") ver hoje o filme Doubt - A dúvida, do realizador John Patrick Shanley.

Doubt, parece à primeira vista contar-nos a história da relação de um rapaz de raça negra com um padre e, uma freira pouco simpática, tendo como realidade espacio-temporal uma paróquia no Bronx em 1964. Nada animador portanto. Contudo, a referida "lengalenga" apenas serve de premissa inicial àquilo que Shanley pretende transmitir: o confronto de doutrinas (conservadoras e progressistas) e posições (antagónicas) e, as consequentes dúvidas (e certezas) que daí surgem. Dúvidas perante a fé, dúvidas perante o comportamento humano, dúvidas sobre a instituição Igreja (e claro, quem a dirige), dúvidas que parecem certezas perante o outro.

Com um bom texto, Doubt vence e vale a pena pelas sublimes interpretações de Meryl Streep, Philip Seymour Hoffman e Amy Adams. Representando seres humanos distintos entre si e, nas atitudes perante a vida; os três personagens tipificam quase personagens-tipo: da tolerância e da falta dela, da compaixão e da falta dela, da integridade e da falta dela, enfim.

De notar que, Shanley além de realizador foi também autor do argumento e do texto, sendo um tanto autobiográfico da sua própria infância.

(Apesar de ainda não ter visto a longa-metragem de Woody Allen rodada em Barcelona, a qual valeu a Penélope Cruz o Óscar na categoria de Melhor actriz secundária, admito ainda assim que, Amy Adams também o merecesse. Esta surpreendentemente bem. Analogamente o afirmo em relação a Philip Seymour Hoffman e, neste caso vi The dark night).

Finalmente, e, por não o ter feito na altura em que vi a peça A dúvida no TNSJ, com a Eunice Muñoz e o Diogo Infante, encenada pelo último, de realçar as memoráveis interpretações que também eles tiveram nos papéis da Irmã Aloysius e do Padre Flynn, respectivamente.

Nota: 8

The Reader

Há já muito tempo que não saía do cinema deslumbrado, encantado, rendido, enfim, maravilhado com o filme que acabara de ver. Pois bem, foi hoje (e, nada melhor para começar este tempo em que os códigos e afins se podem arrumar na estante).

The Reader - O Leitor, realizado por Stephen Daldry conta-nos uma história digamos que diferente, da vida, do amor, do tempo. Tudo começa com um encontro casual entre Hanna, uma mulher mais velha, e Michael, um "miúdo"- termo pelo qual ela o tratava. Volvidos três meses sem se encontrarem, por ele estar doente, o aparente encontro de circunstância do início dará lugar a algo, a que, comummente o senso comum chama de paixão. Os dois, iniciam uma relação que exterioriza à primeira vista apenas sexo, estando no entanto verdadeiramente além do meramente observado. Mantêm durante o último Verão dos anos 50, uma relação onde o meio de comunicação verbal é a literatura (Michael lê-lhe quase como que ritual preliminar clássicos como Homero, Tchekhov, ou Dostoievski) e, o meio de comunicação corporal é quase animalesco. Começam por não saber porque forma se chamariam e, acabam sem conhecerem nada de nada um do outro. Nisto, Hanna desaparece. Passados oito anos, Michael, estudante de Direito em Heidelberg, reencontra a mulher enquando arguida num julgamento de crimes de guerra cometidos durante a II Guerra Mundial pelos nazis. Aí, vem a descobrir a verdadeira Hanna que lhe dissera "não me queiras conhecer". Desolado assiste à leitura da sua sentença (em parte injusta), ficando estupfacto e deveras perturbado por esta ter sido um soldado das SS em campos de concentração.

A fita aborda, as temáticas ancestrais e civilizacionais da moral, do bem e do mal, e sobretudo, da culpa (sempre tão presente na literatura russa). A culpa dela pelo seu passado sem humanidade que a levou a matar mulheres judias em Auschwitz; a culpa dele por não ter revelado o analfabetismo de Hanna em tribunal.

A perfeição desta longa-metragem é tal, que a repetição de pormenores, gestos e pequenos diálogos é claramente propositada. Stephen Daldry "brinca" com o tempo como nenhum outro realizador, torna a mulher enquanto ser, o centro do filme (tal como em The Hours) cria momentos e diálogos que subsistem na nossa memória, desenvolve espaços físicos e ambientes que amparam toda a narrativa ao longo ao longo dos quase quarenta anos em que esta vai decorrendo, escolhe Nico Muhly como autor da exelente banda sonora, como se o som que produz fosse propositadamente criado para este filme.

Kate Winslet interpreta o papel da sua vida, está perfeita, melhor do que nunca; toda a sua caracterização física e de atitudes revelam uma mulher sofrida, crua, gélida, ainda assim, humana. O realizador conseguiu desfigurá-la, tal como o fez a Nicole Kidman em The Hours. Apesar de não superar o seu desempenho em The English Pacient, Ralph Fiennes é o actor perfeito para a interpretação de Michael Berg. O olhar deprimido e deprimente de pessoa reservada que, tão bem sabe fazer estão caracterizadores de um homem agarrado ao passado, como se pretende.

Nota: 10

Milk

Curioso ou não, os últimos dois posts de cinema que escrevi, tinham como realizadores de destaque Gus Van Sant e Sean Penn. Em Milk, encontramos de novo Gus Van Sant derrière la caméra, e Sean Penn no papel principal.

Milk retrata-nos biograficamente a vida de Harvery Milk, interpretado por Sean Penn, o primeiro homem assumidamente homossexual a ser eleito para um cargo público e político nos Estados Unidos da América. Até aqui poderíamos deduzir que se trataria de um vídeo (eventualmente) disponível no canal de História, no entanto, o notável desempenho e interpretação de Sean Penn enriquecem toda a longa-metragem. Alguém que não conheça sequer a vida de activista, político, lutador e defensor dos Direitos Humanos, de Harvery Milk, ao ver o filme conclui que a sua garra, a sua convicção, a sua luta, o seu inconformismo, o seu "movimento" (como costumava chamar), a sua "esperança" (palavra que recorrentemente costumava usar nos seus discursos), mudaram a história de muitos, mudaram a vida de muitos.

Além dos aspectos de representação, tão bem conseguidos ao longo de todo o filme, há outros que merecem igual destaque. De notar a brilhante caracterização e a quase auto-representação de todos os personagens. As semelhanças com as pessoas reais que representam são impressionantes. E, a merecer um enorme louvor, a sublime realização de Gus Van Sant: a interposição entre o tempo real de realização do filme e, as imagens e vídeos da época são uma técnica recorrente ao longo da película; a analepse de todo o filme, quase que autobiográfico de um narrador (Harvery Milk - Sean Penn) que presente o seu assassinato; a inteligente introdução de uma ópera de Verdi como indício trágico que antecede o brutal assassinato de Milk, por Dan White, qual obra catastrófica da literatura teatral de Garrett.

Um filme que cria no espectador atento uma atitude céptica sobre a sociedade e, em particular sobre a sociedade americana. Foi à 30 anos que morreu Milk, a lutar por aquilo em que acreditava.

Nota: 10

(Sabendo que Milk está nomeado em 8 categorias pela Academia, quanto às pricipais, Sean Penn, é claramente merecedor do Óscar de Melhor Actor (Principal)).